Miguel Ángel Giovanetti | El arte debe llegar a todos
22 de Noviembre de 2019 by Alicia Elizabeth Dalterio
“El arte ofrece una oportunidad invaluable donde lucho a diario por superarme y llegar a la gente”
A diez años de su regreso de USA, el artista geométrico argentino galardonado con el Primer Premio Nacional de Artes Visuales, nos recibe en el taller que comparte con su mujer, la artista Nora Giordano. Una escalera en espiral hacia la luz cenital – encriptada en su obra- invita a elevarnos para descubrirla, emergiendo multidimensional, entre diversidad de soportes y materias. Como alegoría a la creación y a la vida, Giovanetti explora cuerdas de universos, lúdicamente, ondulando miríadas de pentagramas en un continuum evolutivo, que, tras la sonoridad del papel plano que los resguarda, se develan, fragmentos en unidad vibrante, luminosa, sendero poco hollado y posible, hacia la perfección.
¿Cuál es tu recuerdo primario con el arte?
En la niñez, cercano a mi madre y su trabajo de alta costura y sastrería para teatro. Mi padre murió joven, fui hijo único y el menor en una familia de inmigrantes y adultos, un observador solitario estimulado por ese universo creativo entre géneros, lápices y moldes. Ella percibió mi sensibilidad y me envió a un taller de dibujo y pintura que resignificó mi vida. Me brotaban ideas creativas que compartía a mi madre en su labor. A partir de allí, todo lo dibujaba.
¿Cuál fue tu formación?
Desde la adolescencia asistí con dedicación a cursos avanzados de arte y al Instituto de Directores de Arte (IDA), decidí estudiar Publicidad y Diseño. Obtuve una formación Universitaria en Diseño Gráfico y Textil. Trabajé dos décadas en Agencias de Publicidad y Diseño, y en paralelo, concurría a los talleres de los maestros Miguel Dávila y Héctor Giuffré.
¿Cómo definís tu expresión?
Pasé por etapas. Trabajo con la línea, que es realmente lo abstracto, como una señal. Mi dibujo marca otra geometría, dibujar sobre bastidor me posicionó en otro lugar.
¿Qué te inspira?
Siempre amé mi trabajo y lo vinculé al arte. Ese amor como diseñador, creando telas hasta 1985, permaneció en mi obra cuando dejé de diseñar a pedido. Pintaba geometrías como géneros, con esa impronta orgánica de haber sido gastados por el acontecer de la vida y el tiempo.
¿Cómo logras una obra tan minuciosa?
Es una labor delicada, soy disciplinado, prolijo en la producción y la manipulación. Trabajar en diseño me dio estructura y orden. Uso un tablero de arquitecto que rodeo, enfocado en la composición, y, sin bocetar, lanzo el trazo preciso, directo. Soy perfeccionista, consecuente, aspiro a la realización desde la acción creativa.
¿Y cómo es eso?
Ensamblo arte y exigencia superadora, trascendental, como oportunidad de elevación. Me levanto temprano, trabajo atento a lo que me rodea, conectado con el ambiente, con la música, variable como el clima, es todo un universo pulsante, como las veintiuna cuerdas de la Kora, ese híbrido entre arpa y laúd a manos de Ballake Sissokó vibrando junto al violonchelo de Vincent Segal, el Jazz, los Preludios de Lizt o un llamado telefónico. No me aíslo para dibujar.
En la Escuela Bauhaus, diseño y modo de vida eran lo mismo, el hombre era un ser integral. Así veo la vida, a través del arte, artista y persona, integrados.
¿Qué materiales eliges?
Respeto los materiales y su calidad, tomo contacto sensorial con ellos y la situación a la que invitan. Los papeles mandan, verbigracia, el papel Fabriano, más liso y amarillento, la opalina, los de grabado; acorde a ellos los intervengo con birome en gel, lápices, tintas, a color en pasta en espátula o pinceleta para geometrías “matéricas”. En USA también utilizaba acrílico diluido sobre film transparente para ploteos.
¿Cómo surge Proyecto Pentágono?
En mi regreso a Argentina, tras una década de haberme ido a vivir a USA, ya como artista reconocido facilitando mi circulación y producción desde Miami; expongo Geometrías en la Galería RO en el 2009. Luis Espinosa, artista visual y crítico fallecido el año pasado, cronista de Ramona, me entrevista entre varias notas que me hicieran, siendo la suya la que había logrado captar la esencia de mi obra. Elio Kapszuk me convoca a presentar un proyecto para el Centro Cultural Recoleta (CCR), y pensé en Luis, ya que él había estudiado filosofía además de artes visuales.
Cada encuentro de proyecto era de risas, nos moderábamos un poco cuando llegaba Raúl Santana, Crítico y poeta, ex Director del Museo de arte Moderno de Buenos Aires (MamBA). Nos complementábamos tan bien con Luis, que participamos de varios episodios del Programa de Radio de mi mujer, Arte y cultura para la salud (AyCS) en Radio Palermo.
Empezamos así un proyecto compartido desde la mirada filosófica sobre el universo y el Timeo de Platón, asociando elementos a figuras geométricas. Tomamos al dodecaedro, con sus caras pentagonales, como símbolo del universo; y al pentágono, de proporciones áureas, como unidad armónica, modelo de perfección.
Luis participó con collages sobre madera y textos poéticos en dos muestras con instalaciones en 2011, Universos paralelos en RO y Fragmentar el universo en el CCR, a partir de allí, él realizaría textos y prólogos de mis muestras, y yo la producción visual. Cuando Luis fallece en 2018, aunque extrañaba su amistad, él permaneció en mí y continué los proyectos en marcha. El año pasado expuse en Galería Van Riel la muestra individual Concepto Pentágono en su homenaje.
¿Qué recursos usas en esta serie?
Luego de lo filosófico, por mi perfil de diseñador tomamos al pentágono y al dodecaedro como elemento de diseño, un pretexto provocador y vivencial del proceso compositivo que lleva nueve años de evolución.
El pentágono, al ser de lado impar, ofrece dinamismo. Carezco de intención Madi y de reglas, combino medidas de lado, líneas negras que contienen, trazos que expanden, se trasladan, cambian de grosor o color, se unen, se esfuman, crean vacíos , efectos op, generan operaciones plásticas, collages o relieves; con el dibujo a lápiz y a lápiz color, protagonizando mis muestras e instalaciones desde 2014.
¿En que trabajas ahora?
Ondulo la obra y sus fragmentos en una sinuosidad que defino al momento de fotografiar y enmarcar, aúno lo real y virtual digitalizando la obra y editándola en videos que expondré en una muestra individual de dibujos y videos en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) del 11 de Septiembre al 29 de Noviembre de 2020. Luego de participar en Arte Correo Internacional, en muestras colectivas en Miami y Portugal, y con los colectivos, Rosa Ladrillo de Chile, con Me llena el alma, y Periferia para Art@Work y Farside Gallery, continúo en mi rol de curador, dando clínicas y charlas, las más cercanas han sido sobre visiones del dibujo contemporáneo.
¿Cómo eres como docente?
Soy exigente, acompaño el desarrollo de artistas con cierto recorrido, usualmente, arquitectos o diseñadores.
¿Cuál es tu anhelo entre el arte y lo social?
Al pensar en sociedades que han resuelto la pobreza, me gustaría que esa capacidad unitiva y facilitadora de resiliencia que ofrece el arte, induzca a superarnos, hacia un modelo Bauhausiano, simbólicamente, como hacia un Nirvana traducido en una sociedad integrada, más armónica y elevada hacia la realización.
Cuando expuse en el Palacio Nacional Da Ajuda de Lisboa, volví a constatar, desde el montaje, que la obra alcanza todos por igual, que es dable una integración espontánea de la diversidad a través la instancia artística, sin distinción ni elitismo.
El arte ofrece una oportunidad de transformación invaluable. Mi disciplina se vincula al anhelo constante de perfección por el cual brego cada día en superarme, para que lo que haga sea mejor y llegue a todos.
Miguel Ángel Giovanetti nació en Buenos Aires, Argentina, en noviembre de 1948.
Entre 1999 y 2009 residió en USA. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.
Su obra se encuentra en Museos y Colecciones Públicas de USA en el MoMA, MOAFL, The Patricia & Philip Frost Art Museum, Lowe Art Museum, Bass Museum of Art y el MoLAA, y en el Stockhausen Museum, el Ludwin Museum, en Kunsthalle y en el Goethe Institut de Alemania. (Selección)
Poseen obras, colecciones privadas de Alemania, Argentina, Brasil, Canadá, Chile, Colombia, Ecuador, Costa Rica, El Salvador, España, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Italia, Panamá, Perú, Puerto Rico y República Dominicana. (Selección).
Foto de portada: Cortesía de Pablo Jantus.
Links:
https://www.arteallimite.com/author/aliciadalterio/
https://www.arteallimite.com/2019/11/22/miguel-angel-giovanetti-el-arte-debe-llegar-a-todos/
Miguel Ángel Giovanetti | Art must reach everyone 1 month ago by Alicia Elizabeth Dalterio
Ten years have passed since he came back from the USA, the Argentinian geometric artist awarded with the First National Prize of Visual Art of Argentina receives us in the workshop shared with his woman, the artists Nora Giordano. A spiral staircase towards the zenithal light (encrypted in his work) invites to lift us to discover, multidimensional emerging, among a wide range of substrates and raw materials. As allegory to the creation and life, Giovanetti explores universes, in a playful way, curling myriads of pentagrams in an evolutionary continuum, which after the sonority of flat paper that safeguard them, they are unveiled, pieces in vibrating, bright unity, non-trodden and impossible path, towards perfection.
What is your first memory concerning art?
In childhood, close to my mother and her work of haute couture and tailoring for theater. My father died young, I was an only child and the youngest in a family of immigrants and adults, a solitary observer stimulated by that creative universe between genres, pencils, and molds. She perceived my sensitivity and sent me to a drawing and painting workshop that resignified my life. I had creative ideas that I shared with my mother in her work. From then on, I drew everything.
Where did you study?
From adolescence I attended with devotion to advanced art courses and the Institute of Art Directors (IDA), I decided to study Advertising and Design. I obtained a University degree in Graphic and Textile Design. I worked for two decades in Advertising and Design Agencies, and in parallel, I attended the workshops of masters Miguel Dávila and Héctor Giuffré.
How do you define your expression?
I went through stages. I work with the line, which is really the abstract, as a signal. My drawing marks other geometry, drawing on a frame put me in a higher position.
What inspires you?
I always loved my work and linked it to art. That love as a designer, creating canvases until 1985, remained in my work when I stopped designing by order. I painted geometries as genres, with that organic imprint of having been worn out by the events of life and time.
How do you achieve such meticulous work?
It’s a delicate task, I’m disciplined, neat in production and manipulation. Working in design gave me structure and order. I use an architect’s board that I surround, focused on the composition, and, without sketching, I throw the precise, direct stroke. I am a perfectionist, consequent, I aspire to the execution from the creative action.
And how’s that?
I assemble art and overcoming demands, transcendental, as an opportunity for elevation. I wake up early, work attentive to what surrounds me, connected with the environment, with music, variable as the climate, is a whole pulsating universe, like the twenty-one strings of the Kora, that hybrid between harp and lute at the hands of Ballake Sissokó vibrating next to Vincent Segal’s cello, Jazz, Lizt’s Preludes or a phone call. I don’t isolate myself to draw.
In the Bauhaus School, design and way of life were the same, the man was an integral being. That’s how I see life, through art, artist, and person, integrated.
What materials do you choose?
I respect the materials and their quality, I make sensory contact with them and the situation to which they invite. The papers send, for example, the Fabriano paper, smoother and yellower, the opaline, the engraved ones; according to them, I intervene with them with gel biro, pencils, inks, color paste in spatula or brush for “matéricas” geometries. In the USA, I also used acrylic diluted on transparent film for plotting.
How did Proyecto Pentagono come about?
On my return to Argentina, after a decade of having gone to live in the USA, and as a recognized artist facilitating my circulation and production from Miami, I exhibit Geometries at RO Gallery in 2009. Luis Espinosa, visual artist and critic who passed away last year, Ramona’s chronicler, interviews me among several notes made to me, being she the one that had managed to capture the essence of my work. Elio Kapszuk invites me to present a project for the Centro Cultural Recoleta (CCR), and I thought of Luis, since he had studied philosophy as well as visual arts.
We moderated a little when Raúl Santana, Critic and poet, former Director of the Museum of Modern Art of Buenos Aires (MamBA), arrived. We complemented each other so well with Luis that we participated in several episodes of my wife’s Radio Program, Arte y cultura para la salud (AyCS) on Radio Palermo.
Thus we began a shared project from the philosophical point of view about the universe and Plato’s Timeo, associating elements with geometric figures. We took the dodecahedron, with its pentagonal faces, as a symbol of the universe; and the pentagon, of golden proportions, as a harmonic unit, a model of perfection.
Luis participated with collages on wood and poetic texts in two exhibitions with installations in 2011, Universos paralelos en RO and Fragmentar el universo in CCR, from there, he would make texts and prologues of my exhibitions, and I would make the visual production. When Luis dies in 2018, although I missed his friendship, he remained in me and I continued the projects in progress. Last year I exhibited the individual show Concepto Pentagono in his homage at Galería Van Riel.
What resources do you use in this series?
After the philosophical, because of my profile as a designer we took the pentagon and the dodecahedron as a design element, a provocative and experiential pretext of the compositional process that takes nine years of evolution.
The pentagon, being on an odd side, offers dynamism. I lack Madi intention and rules, I combine side measures, black lines that contain, strokes that expand, move, change thickness or color, join, vanish, create voids, op effects, generate plastic operations, collages or reliefs, with pencil drawing and pencil color, starring my samples and installations since 2014.
What are you working on now?
I curl the work and its fragments in a sinuosity that I define at the moment of photographing and framing, I unite the real and virtual digitalizing the work and editing it in videos that I will expose in an individual exhibition of drawings and videos in the Museum of Contemporary Art of Buenos Aires (MACBA) from September 11 to November 29, 2020. After participating in international Arte Correo, in group shows in Miami and Portugal, and with the collectives, Rosa Ladrillo of Chile, with Me llena el alma, and Periferia for Art@Work and Farside Gallery, I continue in my role as a curator, giving clinics and talks, the closest have been about visions of contemporary drawing.
How are you as a teacher?
I am demanding, I accompany the development of artists with a certain path, usually architects or designers.
What is your longing between art and the social?
When I think of societies that have resolved poverty, I would like that unitive and facilitating capacity of resilience that art offers, to induce us to overcome, towards a Bauhausian model, symbolically, as towards a Nirvana translated into an integrated society, more harmonious and elevated towards realization.
When I exhibited at the Palacio Nacional Da Ajuda in Lisbon, I saw once again, from the montage, that the work reaches everyone equally, that it is possible to spontaneously integrate diversity through the artistic instance, without distinction or elitism.
Art offers an invaluable opportunity for transformation. My discipline is linked to the constant yearning for perfection by which I strive every day to improve myself, so that what I do is better and reaches everyone.
Miguel Ángel Giovanetti was born in Buenos Aires, Argentina, in November 1948.
Between 1999 and 2009 he lived in the USA. He currently lives and works in Buenos Aires.
His work can be found in Museums and Public Collections in the USA at the MoMA, MOAFL, The Patricia & Philip Frost Art Museum, Lowe Art Museum, Bass Museum of Art and the MoLAA, and at the Stockhausen Museum, the Ludwin Museum, in Kunsthalle and at the Goethe Institut in Germany. (Selection)
They possess works, private collections of Germany, Argentina, Brazil, Canada, Chile, Colombia, Ecuador, Costa Rica, El Salvador, Spain, the United States, France, England, Italy, Panama, Peru, Puerto Rico and the Dominican Republic. (Selection).
Cover image: Courtesy of Pablo Jantus.
Links:
https://www.arteallimite.com/en/author/aliciadalterio/
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