Persona

Maria Nela Lebeque

Uruguay 19 Sep, 1988

Crítico   Investigador de Arte Contemporáneo   Curador / Comisario (de Arte Contemporáneo)  

Ver grafo

( Maria Nela Lebeque. 1988, Holguín, Cuba) Es curadora, crítico e investigadora de cine y artes visuales. Directora y programadora de la muestra Cine joven cubano en el Sur que se realiza en Montevideo, Uruguay y Buenos Aires, Argentina desde el 2017. Reside en Uruguay e integra el Laboratorio de cine FAC de Montevideo, colectivo dedicado a la creación e investigación de prácticas experimentales. 

Licenciada en Historia del Arte de la Universidad de la Habana ha publicado textos críticos en disímiles sitios y revistas culturales e impartido charlas y conferencias sobre cine en Cuba, Uruguay y Argentina. 

 Formó parte de importantes festivales nacionales e internacionales integrando como la Muestra Joven ICAIC; XXXIII Festival Internacional de Nuevo Cine de la Habana; el Detour, festival de Cine Nuevo de Montevideo (2015); la XI Bienal de la Habana y  I y II Semana de Cine Experimental en Montevideo (2016, 2018). 

Ha programado selecciones fílmicas expuestas en: Cuba ( Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños (EICTV); Festival Internacional Romerías de Mayo, Hoguín; Facultad de Artes y Letras);  Uruguay (Sala Zitarrosa, Espacio de Arte Contemporáneo, Centro Cultural de España; Museo de La paloma, Rocha) y  Argentina (Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti en Buenos Aires).

Ejerció como Jurado Profesional en el 19 Festival Internacional de Escuelas de Cine del Uruguay y Jurado de la Competencia Internacional del Festival Un mes en corto. 

Trabaja en el Auditorio Nacional del Sodre Adela Reta.


artículos recientes

Cine joven cubano en el Sur. 2da edición 2018.

por: Maria Nela Lebeque

Cine joven cubano en el Sur . 2da edición 2018.Teniendo como antecedente la 1ra Muestra de cine joven cubano en Montevideo celebrada en noviembre del 2017, del 5 al 11 de noviembre llega la segunda edición de la muestra Cine joven cubano en el Sur. Con curaduría y dirección creativa de la historiadora del arte y crítico cubana Maria Nela Lebeque Hay, su statement presenta “una selección del joven audiovisual de la Isla, mirando por primera vez hacia la región con los objetivos de dar a conocer a una generación de cineastas con una fecunda producción fílmica ( muchos de ellos multi premiados en certámenes internacionales) y generar nuevos escenarios de exhibición y distribución en el Sur, abriendo así nuevas propuestas de cruces artísticos.”Se exhibirán un total de 17 filmes, de ellos 15 cortometrajes y 2 largos divididos en 5 programas temáticos que incluyen ficción, documental, animación, cine ensayo o películas con tintes experimentales y una película en construcción pues “buscamos no solo visibilizar una potente producción nacional de cine hecho por jóvenes creadores, sino también ayudarlos a crecer”.https://vimeo.com/293045350?ref=fb-share&fbclid=IwAR3EogKkN16Om57zJOzBt0f95rzxFVEtO3VFXYOyVo8aS-9in3vXx-LP91IDentro esta cifra habrá 3 películas presentadas por el DETOUR, festival de Cine Nuevo del Uruguay quienes están como invitados dentro de la programación del evento. En Uruguay las sedes elegidas son el Centro Cultural de España (CCE) y el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes (IENBA); mientras que en Argentina serán el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex ESMA) y la Manzana de las Luces.La programación contará con una serie de invitados que presentarán las temáticas propuestas y una charla impartida por Diana Carmenate, diseñadora cubana radicada en Uruguay quien nos hablará sobre el cartel para cine en Cuba y su experiencia en Qué remedios? La parranda, Premio Coral a Mejor Cartel durante el 39 festival de Cine Latinoamericano de La Habana.La inauguración en Montevideo será en el CCE el próximo 5 de noviembre a las 19 hs y el resto de los días las proyecciones sucederán a las 18:30. En Buenos Aires la apertura sucederá en la Manzana de las Luces el día 9 a las 18 hs. Vea el resto de la programación aquí .Una buena parte de las obras seleccionadas para esta edición fueron partícipes de la Muestra Joven ICAIC, el festival más importante sobre cine de nuevos realizadores en Cuba. Asimismo es significativo un crecimiento en calidad, que los ha llevado a ser nombres comunes en certámenes competitivos a nivel mundial con excelente crítica y lauros. Por ejemplo: El proyecto (2017), de Alejandro Alonso Estrella (Premio FIPRESCI del DOK Leipzig 2017); Los perros de Amudsen (2017), de Rafael Ramírez (Premio a Mejor Dirección en la Muestra Joven ICAIC 2018, exhibido en DocumentaMadrid y en Festival de Locarno); La costurera (2016), de Rosa María Rodríguez (Premio Joven Cine Cubano en el vigésimo tercer Festival CUBA IM FILM, Fráncfort, Alemania); Héroe de culto (2015), de Ernesto Sánchez (Seleccionado Mejor documental cubano exhibido en Cuba durante el año 2016 por la ACPC (Asociación Cubana de la Prensa Cinematográfica); Angela (2018) de Juan Pablo Daranas (participante en Glasgow Short Film Festival, Trinidad + Tobago Film Festival, Roma Independent Film Festival) y Gloria Eterna (2017), de Yimit Ramírez (Premio a Mejor Ficción en la 17 Muestra Joven ICAIC), por solo mencionar a algunos.El evento es apoyado en Montevideo por el Centro Cultural de España, el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, el Laboratorio de cine FAC, la ONG Idas y Vueltas , el Municipio B de la Intendencia de Montevideo , el II Festival Internacional Cervantino de Montevideo y el Bar Café Estaciones. Como INVITADO tendremos al DETOUR, festival de Cine Nuevo del Uruguay .En Buenos Aires por el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex ESMA) , el Instituto Multimedia DerHumALC (IMD) y la Manzana de las Luces.En Cuba: la Muestra Joven ICAIC y ONG Colón Cultural.

El Centro Cultural de España de Montevideo y una Muestra de filmes cubanos.

por: Maria Nela Lebeque

El Centro Cultural de España de Montevideo y una Muestra de filmes cubanos.La propuesta que busca “visibilizar una producción un tanto desconocida para el público rioplatense” tuvo su inauguración el pasado 15 de noviembre en el Museo de las migraciones (MUMI) de Montevideo. Consiste en la 1ra Muestra de cine joven cubano, curada por la historiadora del arte y crítico Maria Nela Lebeque Hay, la cual está compuesta por una selección de 10 cortometrajes de noveles realizadores de la isla realizados en la última década. El próximo 12 de diciembre en el Centro Cultural de España a las 18 hs se presentará el segundo programa de este evento en el marco del espacio Encuentro con Artistas, coordinado por el Laboratorio de Cine FAC como última de las actividades de este colectivo en el año. Llevando como título “Sujetos (ex)puestos y/o malditos. Profetas en decadencia” el programa aúna una serie de trabajos que explora una suerte de “coqueteo” con la experimentación desde el discurso, donde sus autores interpelan al espectador interviniendo la imagen, el sonido y suscitando a la experiencia sensorial y de imaginarios múltiples. De esta forma la propuesta son trabajos que se salen de una construcción habitual dentro de la cinematografía más contemporánea de la Isla, tanto en recursos formales como conceptuales. De alguna manera beben de una tradición fílmica de los ´60 y ´70 con cineastas como Santiago Álvarez, Manuel Octavio Gómez, Titón, Guillén Landrián… pero también de otros más cercanos como pueden ser Fernando Pérez, Juan Carlos Cremata (Oscuros rinocerontes enjaulados, 1990) o Esteban Insausti con su corto del 2005 Existen. El statement curatorial define a Obras que develan búsquedas expresivas para traducir una mirada crítica sobre su realidad es la selección de cineastas jóvenes cubanos que integran los programas a presentarse. Fórmulas diversas que en la última década han cimentado una producción quebrada, visceral, hiriente, enajenada por momentos desde el desencanto que provoca demasiadas preguntas sin responder… Así ha sido llamada desde la Academia muchos de estos trabajos… También reflexivos, de un preciosismo cuidado en sus mínimos detalles, personales y contestatario como debería ser toda obra de arte. Es este “cine nuevo cubano” el que hoy aparece en cada vez más certámenes competitivos del Orbe. Por ello, desde su diversidad artística y filosófica proponemos el desafío. Se presentarán cortometrajes de cinco realizadores que discursan entre lo documental, la ficción, la animación; pero con un elemento plus que los re-formula e invita a la provocación nada sutil, desde esos modos “experimentales” con que los autores asumen sus historias. Al final la propuesta intenta exponer una serie de preguntas subyacentes que provienen de preocupaciones múltiples y complejas como generación. "Casa de la noche" (2016), de Marcel Beltrán; "El hijo del sueño" (2016), de Alejandro Alonso, "Batería" (2016), de Damián Sainz; "Silencio suspendido" (2016), de Indiana Díaz Caraballo, y la animación "Otro animado que no es para niños" (2013), creada por Harold Díaz Guzmán serán los materiales a presentarse para este encuentro. Lo precedieron en el programa presentado en el Museo de las Migraciones "El hormiguero" (2017), de Alan González Hernández; "El pescador" (2016), de Ana Alpízar; "Tilin tilín" (2016), de Violena Ampudia; "La máquina" (2016), de Adolfo Mena Cejas, y "Abecé" (2013), de Diana Montero.

Rescate del objeto fílmico. Una exposición de Guillermo Zabaleta en el CCE.

por: Maria Nela Lebeque

Rescate del objeto fílmico. Una exposición de Guillermo Zabaleta en el CCE.Por: Maria Nela Lebeque Hay.La multiplexión es la mezcla de dos o más canales de información en un solo medio de transferencia (permite varias comunicaciones de forma simultanea) usando un dispositivo llamado multiplexor.1 Acudir al concepto no es un capricho reiterativo. Era necesario para empezar a escudriñar los caminos propuestos por una exposición de arte que busca experimentar con y para el espectador tomando como excusa perfecta objetos, contenidos, luces, sombras, sonidos… Tal vez sea esta una posible lectura de tantas expresas en la primera muestra personal del artista audiovisual Guillermo Zabaleta (Montevideo, Uruguay. 1965), que tuvo como espacio físico el subsuelo del Centro Cultural Español (CCE) de Montevideo en agosto de 2016 invitándonos a una mirada reflexiva y sagaz.Propone entonces una puesta en escena que hay que descifrar. Así nos interpela el creador desde su proyecto expositivo curado en esta oportunidad por el español Antoni Pinent, reconocido en el circuito artístico a partir de un amplio bagaje como curador, artista, investigador y film curator. El resultado: una propuesta espacial lograda que no sólo supo resolver con buena fortuna los avatares de trabajar con más de un formato en una sala pequeña (la imagen en movimiento dentro de la galería se convierte en una fuente inagotable de desafíos y sobre este tema estaremos hablando más adelante); sino también presenta una serie de rejuegos conceptuales que han logrado hacer pensar al espectador sobre la obra en su conjunto.De tal modo empiezan las ojeadas que entreteje Multiplexado de modos bien definidos. Un carácter lúdico que invita unas veces y otras irrumpe, termina haciendo partícipe y ejecutor de la obra de arte final a ese concurrente. La dupla autor/curador deja claro sus búsquedas con la muestra en tanto rescate de discursos y objetos fílmicos, amén de los múltiples modos en los que la imagen en movimiento puede llegar al espectador desde la film performance, imágenes de archivo que dialogan, intervención sobre la materia y el sonido… Se activa así el concepto de multiplexado como combinación, (de formatos discursivos, lecturas del conjunto de obras); canales (16 mm transferido a archivo digital, ampliación sobre vidrio, proyector de diapositivas 35mm, mesa de trabajo con accesorios para trabajar con archivos fílmicos, etc,); un solo medio de transmisión (el objeto convertido obra de arte desde el espacio galerístico y su carga estética como tal). Y también multiplexado como experiencia de vida donde muchas influencias nutren un concepto, como reflexión sobre el quehacer del autor/creador, como postura ante la vida…I Objetualidad y subjetvidadUn elemento a detenerse dentro de la exposición es cómo el creador toma cual objeto artístico no sólo su obra final proyectada o intervenida. En el camino también los materiales y los equipos juegan un papel protagónico cargados de tal significante, que quizás por sí solos no tendrían tal valor si no fuera por ese público curioso que lo interviene.Tanto el proyector de 16mm y el de diapositivas de 35mm, los trozos de celuloide, la empalmadora de 16 mm, las fotos reveladas, lupas… participan de una realidad donde no pasan desapercibidos en pos de la ”obra” principal, sino terminan siendo parte intrínseca del proceso y los contenidos de cada pieza. Revela así el oficio de un artista forjado en el quehacer de una práctica meticulosa que pocos conocen (coordinando el Laboratorio FAC y ejerciendo la docencia sobre cine experimental) y cuya propuesta artística gira en torno a ella. Como definiese el Pinent en sus palabras al catálogo: Quizás aquí el vínculo de Zabaleta con el trabajo de las imágenes como objeto y contenido/contenedor, podríamos emparentarlo con el del arqueólogo y su voluntad.2II Las luces que iluminan…Al entrar a sala las pantallas suspendidas desde el techo, una frente a la otra, me enceguecieron por un instante. Un golpe de luz intenso por unos segundos y luego las imágenes expuestas a través de dos cañones de luz. Fue esta mi primera impresión al ver las obras S/T (Vorágine) (Década 50´s.16mm transferido a archivo digital, b/n, silente.1´04”) y S/T (La espera) ((Década 50´s.16mm transferido a archivo digital, b/n, silente.1´44”). Conceptualmente se retroalimentan desde una aparente disparidad. De un lado, la grabación de una escena de pesca “tranquila”; de la otra, el “asesinato” despiadado de cocodrilos. El autor desde sus títulos propone un antagonismo que invita a la sospecha: ¿acaso ambos no generan la muerte?Si vemos la exposición en sala es imposible no mencionar el trabajo en el espacio de las luces y sombras generadas por algunas obras contribuyendo a otras. Este recurso curatorial no muy utilizado, pero efectivo si es bien manejado propuso un recorrido visual desarticulado intencionalmente que deja todo en manos del espectador. Logran de esta manera un diálogo entre las piezas que terminan fundamentando una de las premisas de la muestra: La imagen está comprendida aquí como un tiempo de espera, de un espacio de ensoñación, no tanto en el sentido de aislamiento, diversión o entretenimiento, sino con una clara concepción de concienciación del poder de la misma, para denunciar y mostrar sus otras potencialidades silenciadas por el tiempo y la dictadura.3 Tal vez podríamos sugerir alguna fuente de luz alternativa para las piezas en vidrio –aunque una de ellas tiene- que ayude a visibilizarlas mejor.III Razones…En la noche inaugural no pude esquivar la mirada cuando muchas manos tomaban los objetos para ser explorados, manoseados al azar como quien quiere extraerles su fuerza, usados como pretextos para la risa o el aprendizaje. Esta primera experiencia de la muestra evidenció que su objetivo había sido cumplido. Un asistente activo que ve el arte más allá de su función estética y va a lo funcional, que indaga desde lo objetual para llegar al concepto de la misma y por qué no, construye un nuevo discurso artístico que es plural y diverso como todo en el mundo. Así, Multiplexado deviene un buen modo de asumir y representar los nuevos tiempos dentro del arte. Un Arte que no olvida su pasado y continúa re-pensando al hombre y sus relaciones como fuente de creación.Notas:1 Tomado de https://es.wikipedia.org/wiki/Multiplexaci%C3%B3n. Consultado 5 de septiembre de 2016, 23: 20pm.2 Tomado de palabras al catálogo para la exposición Multiplexado/Zabaleta. Un proyecto expositivo de Gillermo Zabaleta y comisariado por Antoni Pinent. 23 de agosto/19 de octubre de 2016. En Centro Cultural español (CCE) de Montevideo, Uruguay.3 Ídem.

¡Ponme los muñes, mamá! O algo más sobre animación joven en Cuba.

por: Maria Nela Lebeque

¡Ponme los muñes, mamá! O algo más sobre animación joven en Cuba.Por : Maria Nela Lebeque Hay¿Crisis en la animación cubana? Así nos gustaría iniciar el debate porque ha sido una pregunta caliente en los últimos meses dentro del ámbito crítico-cinematográfico-cultural de la Isla. Sin dudas, una de las sorpresas de la 16 Muestra Joven ICAIC menos esperadas por el público asistente a casi todas las jornadas del evento fue el premio desierto en la categoría de animación. Ya la alarma estaba encendida desde el momento en que la cantidad de obras presentadas y/o aceptadas fue por debajo de años anteriores. Nótese que en 2014 y 2013 el certamen contó con once cortos compitiendo. La fluctuación puede verse quizás a partir del 2015, donde se presentaron seis trabajos en concurso; en el 2016, se presentaron nueve y el 2017 tuvo solo cinco obras seleccionadas.Hacer animados cubanos en todos los tiempos ha sido difícil. Según Willema Wong Tejeda, investigadora, historiadora del arte y encargada del proyecto de recuperación y conservación del patrimonio cinematográfico de los Estudios de Animación del ICAIC, la creación del Departamento de Dibujos Animados del ICAIC fue un momento significativo de donde surgieron los verdaderos fundadores del género en la etapa post-´59. El mismo estuvo compuesto por múltiples disciplinas como diseñadores y dibujantes de cierta experiencia, provenientes de la publicidad, la gráfica, las artes plásticas…“fueron los iniciadores de un proyecto en el que veían futuro, aunque carecieran de materiales, equipos técnicos, y les faltara un laboratorio, por lo cual se desvincularían de su obra durante el tiempo que la película viajaba hacia México, España o Checoslovaquia para el revelado. Ponían todo su ingenio en salir adelante. Fue debido a estas limitaciones que Lucas de la Guardia, músico que comenzaba sus funciones de editor, hizo su propia cortadora y pegadora cuando se encontró sin moviola para continuar el trabajo. A falta de printer óptico (truca) creaban sus propios efectos, nombrándolos como en un divertimento de quienes están descubriendo un mundo nuevo. Hernán se convirtió en el animador principal y maestro, pero entre todos se enseñaban. Aprendían con la práctica diaria, experimentando, retroalimentándose unos a otros con las búsquedas propias. Eran inexpertos, emprendedores y creativos; fueron atrayendo a artistas plásticos, diseñadores, incluso jóvenes estudiantes de teatro, interesados en hacer animación. Aquel departamento constituyó un centro de fuerte movimiento cultural donde confluyeron creadores de diversas áreas. Algunos incursionaron en ese género durante un tiempo breve, para continuar desarrollándose en otras manifestaciones artísticas; son los casos del escritor Luis Rogelio Nogueras (formó parte del departamento durante cuatro años, desde 1961), Holbein López (en 1962 pasó a diseñar afiches y luego a ser el diseñador de la revista Cine Cubano), Enrique Nicanor González (trasladó su residencia a España, donde trabajó en televisión) y el pintor Sandú Darié. Permanencia más prolongada (durante la década completa de los sesenta y comienzos de los setenta) tuvo Harry Reade, un australiano ilustrador y guionista que jugó un reconocido papel en la formación de Juan Padrón, en los setenta”. [1]Entre los animadores cubanos más conocidos se encuentran Jesús de Armas, Eduardo Muñoz Bach, Gisela González (en línea y relleno, o como colorista, desde 1960 hasta 2004), Hernán Henríquez, Tulio Raggi, Walfredo Díaz, Luis García Mesa, Modesto García, entre otros. Luego llegaría Juan Padrón en la década del ochenta quien con sus más de 50 cortos y 5 largometrajes (entre ellos su famoso personaje de Elpidio Valdés y los Filminutos) se convertiría en el padre de la animación contemporánea en Cuba sirviendo de legado para los que inician su camino en el género.Varios trabajos críticos se han publicado en los últimos años sobre animación joven en Cuba, sus retos, dificultades y exponentes más relevantes. Entre ellos resulta interesante el de Alejandro Madorrán Durán: Las nuevas apuestas del animado cubano, publicado en Juventud Rebelde digital. 24 de septiembre de 2016.[2] En este hace un recuento de los últimos trabajos salidos a la escena pública en cuanto a muñequitos cubanos y algunas valoraciones. Asimismo y como ya nos tiene acostumbrados, el texto de análisis que hace Antonio Enrique González Rojas: ENTRE LAS VENAS ABIERTAS DE PLASTILINA Y EL ANIME CUBANO. (Consideraciones sobre algunos animados participantes en la 12da. Muestra Joven del ICAIC) publicado en el blog del también crítico Juan Antonio García Borrero La pupila insomne el 17 de abril de 2013[3] que, aunque es de hace unos años, contiene ricas referencias críticas sobre el tema de animación joven cubana. En este mismo sitio el autor posee otras reseñas de cortos animados cubanos hechos por noveles realizadores. Además otro trabajo sobre el tema es el del importante crítico y docente con una larga trayectoria sobre animación para adultos como es Mario Masvidal (https://cinecubanolapupilainsomne.wordpress.com/2016/04/10/mario-masvidal-sobre-la-animacion-en-la-muestra-joven/ . Muy recomendable es la polémica desatada tras la publicación del animador Víctor Alfonso Cedeño, autor de la muy premiada serie Dany y el club de los berracos, quien en su cuenta de Facebook el 10 de abril publicaba su decisión de no volverse a presentar al evento tras el premio desierto. (https://www.facebook.com/photo.php?fbid=1348864698540304&set=a.349849681775149.80757.100002503590472&type=3&theater ). Par leer y “sacar nuestras propias conclusiones”. Así van las cosas en la Isla sobre un género que aparentemente es valorado por muchos como inferior a sus hermanos de la Ficción o el Documental.La falta de espacios reales de discusión, debate y sobre todo soluciones en cuanto al tema siguen provocando el tono de decepción en algunos jóvenes animadores que deciden “abandonar el barco”. Y es que resulta una paradoja cuando vez el magnífico edificio que posee los Estudios de Animación del ICAIC en su nueva sede desde el 2003, con toda la tecnología a su alcance y que se siga hablando de trabajos independientes en Cuba, muchos de ellos hechos sí por personal de la institución, pero que circula por medios no oficiales (dígase la piratería o el famoso “Paquete Semanal”). Aun así existen quienes no solo se quejan y buscan soluciones. Ya se realizaron algunos encuentros de animadores del país y un caso interesante hoy es el de Ernesto Piña, quien se encuentra en proceso de un proyecto llamado LA PEÑA DE PIÑA para dar promoción, distribución y formación a los animadores del país.Sobre este realizador hacemos un parate puesto que este año presentó un trabajo sin demasiada prensa que participó en la sección Fuera de concurso dentro de la 16 Muestra Joven ICAIC. El mismo se titula Close (2016) y desde la animación resulta una obra fresca, bien lograda y fruto de un creador consagrado dentro del evento que ya excedió los años permitidos.Si bien varios años han pasado ya desde que Sentencia Subterránea (2002), su primer trabajo dentro del proyecto independiente Erpiro Estudio se presentara en la II Muestra de Jóvenes Realizadores con tintes grotescos, monocromos y pinceladas de un humor sarcástico que luego definiría casi todos sus materiales, Piña no se quedó en esta experiencia creando su ajiaco perfecto con las influencias más variopintas: un poco de argot popular (o “el cubaneo” hablando en plata); una pizca de muñequitos rusos y cubanos de su infancia; y como hijo de su tiempo algo del anime japonés, la animación experimental europea y las grandes productoras americanas como Disney y Pixar. Obras como Todo por Carlitos (2005), Sin pelos en la lengua (2010), Wajiros (2011), la serie televisiva Pubertad (2008-2011), así como varias incursiones en el videoclip dan fe de ello.En este su último trabajo el director se rodea de un equipo de élite para incursionar por primera vez en el 3D y propone en 4´20 min una la historia de amor de dos jóvenes científicos que buscan la solución a un problema macro e irreversible. Él, un joven cubano negro desde un laboratorio improvisado en el sótano de un edificio de la Habana; ella una chica asiática en la torre más alta de una ciudad llena de rascacielos y luces. Este uso inteligente de pares aparentemente opuestos acompañan toda la narración articulado su conflicto y posterior desenlace (in)esperado: alto- bajo; negro-blanco; pobre-rico; dentro-fuera…Con un trabajo pensado en sus detalles desde la puesta en escena de cada uno de sus espacios y la propia animación, la obra provoca muchas reflexiones y propone un happy end idealista y poético. Su banda sonora juega un papel protagónico convirtiéndose en otro de los momentos agradecibles dentro del corto. Genera los ritmos de la historia y describe los personajes al punto en que implica al espectador en las posibles soluciones del asunto. Queda explicito ese trabajo colaborativo donde el creador otorga libertades creativas a su equipo en función del producto final. Y sobre todo expone como la animación se comporta diferente a otros géneros, puesto que se crea de cero y aun cuando su director es la cara visible, el resultado final es obra de muchos saberes combinados. En este caso Alejandro Rodríguez, como director de arte y Yunior Frómeta; Humberto Junco; Boris Trueba; Sergio Valencia y Alexis Echemendía, en otras especialidades marcaron la diferencia.Close nos muestra a un creador que tiene la cualidad de urdir historias cimentadas en la cotidianidad y los sujetos más variopintos. Podríamos decir que Piña posee la cualidad de ser uno de esos animadores jóvenes que continua trazando ejes desde la experimentación, la mezcla de influencias y el humor inteligente que invita a reflexionar sobre su contexto. Si quisiéramos definir su trabajo estas características de alguna manera lo identifican, puesto que desde lo visual cada corto tiene su sello propio fruto de un espíritu inquieto que disfruta la animación como género repleto de formulas expresivas.Así que por suerte no todo está perdido. Existen muchos haciendo “cosas” en Cuba y para bien. Ahí tenemos a Harold Díaz, Ermitis Blanco, Yolanda Durán, Ernesto Piña, Víctor Alfonso Cedeño, Marcos Menéndez, Harold Rensoli, Isis Chaviano, Ivette Ávila, Adriel Pérez, Adanoe Lima, Yemelí Cruz, Randy Betancourt, entre otros más. Aún queda camino por andar y esperemos que los últimos acontecimientos no primen sobre un género con tanta historia en nuestra cultura. Después de todo qué cubano no dijo una vez: ¡Quiero ver los muñequitos mamá![1] Del Río, Joel: Cuadro a cuadro se dibujó la historia. En la Jiribilla, revista de cultura cubana. La Habana, 7 al 13 de junio de 2008. http://epoca2.lajiribilla.cu/2008/n370_06/370_20.html . Consultado el 31 de mayo de 2017, 22:15pm [2] http://www.juventudrebelde.cu/cultura/2016-09-24/las-nuevas-apuestas-del-animado-cubano/ . Consultado el 25 de mayo de 2017. 13:15pm. [3] https://cinecubanolapupilainsomne.wordpress.com/category/dibujos-animados/ . Consultado 25 de mayo de 2017. 20:30pm

Camino al paraíso en una Jaula de Oro.

por: Maria Nela Lebeque

Camino al paraíso en una Jaula de Oro.Coincidencias entre migración, arte y cine en LatinoaméricaI La llegada por estos días del importante guionista Gibrán Portela[1] (Ciudad de México, 1979) como parte del jurado del 16 Festival de Escuelas de Cine del Uruguay nos ha llevado a retomar la crítica a uno de sus trabajos más laureados en certámenes internacionales de cine: La Jaula de Oro (2013). El filme trabaja una temática por demás controvertida y que urde zonas de diálogos profundos con otro trabajo visto por el público montevideano hace unos meses atrás. Inaugurada en octubre de 2015 hasta febrero de este año el Centro Cultural Español (CCE) estuvo presentando una exposición fotográfica titulada La Bestia de la ya afamada artista española Isabel Muñoz. Efectiva; bella y depurada desde el trabajo visual del video intalativo, la fotografía y textos-testimonios; exquisitamente articulado tanto el manejo del espacio museográfico como la propia curaduría de la muestra; polemizadora como a mí entender debe ser la obra de arte contemporánea; sincera y desgarradora. Son estos algunos adjetivos que se me ocurren para calificar el impacto de más de cincuenta obras que combina diferentes soportes y técnicas artísticas. Las historias fueron emitidas por migrantes centroamericanos que vivieron el caos de salir de sus países, lanzándose al trayecto azaroso de más de cinco mil kilómetros a bordo de un tren que atraviesa varias regiones hasta la frontera con México: las puertas prometidas al Paraíso. Lo llaman La Bestia y muchas ideas para decir sobre esta nomenclatura “maldita”. Pero lo que más impacta es como desde la imagen, las sombras, las palabras escritas en el muro se trenzan puentes con el filme de Quemada Diez co-escrita con Portela. Parecería entonces un juego del destino que justo esa enorme fotografía, sola en aquella pared con luz tenue, me hiciera recordar a otros niños haciendo también ese mismo viaje… II Para una película como La jaula de oro, primer largometraje del director español residente en México Diego Quemada-Diez, los lauros alcanzados y la buena crítica no son suficientes, porque lo que de verdad importa es su trasfondo (in) moral. Ese que todo el mundo “aparentemente” desconoce; mas está ahí. Muñoz y Quemada lograron desde medios diferentes el mismo discurso sobre un tema macro y polémico por excelencia: la emigración, más específicamente la de Latinoamérica hacia los EE.UU. Todas las muertes son aberrantes, pero es cierto que algunas han sido menos visibilizadas por los medios que otras. Y tal es el caso de esta que nos toca tan de cerca. Cuando la artista junto al periodista salvadoreño Oscar Martínez se subió a La Bestia decidiéndose a correr los mismos riesgos con aquella gente sufrida, viviendo cada una de las historias de vidas contadas y las huellas que deja el no volver a ver a un ser querido, logró impregnarle un modo-otro a la obra de arte retratada o filmada. Encontrar la belleza en lo no bello y a su vez servir de denuncia. Así comparte premisas con el filme a partir del impacto de sus primeras secuencias: una joven que corta su cabellera y oculta los pechos envolviéndolos en un paño para esconder su condición de mujer; un adolescente que mete en la costura del pantalón algunos dólares estrujados… En sus inicios el tono aventurezco y hasta infantil del viaje podría confundir al espectador. Por momentos juegan, se sacan fotografías, ríen sin noción del peligro. Sara, Juan y Samuel salen de sus casas sin despedirse de nadie y van en busca de las vías del tren. A la orilla de un rio encuentran a Chauk, joven indígena que no habla español, cuarto integrante y pieza clave de toda la trama cuando se convierten en sólo tres después de ser atrapados, enviados de vuelta su región y uno de ellos desistir del viaje. Nuevamente volver al camino. Porque es muy común esto: “muchos no lo logran a la primera”, como bien describiera Isabel Muñoz en una entrevista. Y el realismo que alcanza refuerza y sobredimensiona una historia sin dudas bien pensada en todos sus detalles. Una fotografía que relata desde grandes momentos de naturaleza virgen hasta esos primeros planos de rostros variopintos, mostrando la riqueza de un continente que contrasta con la pobreza y necesidad de su pueblo. Diálogos precisos, inteligentes, hasta simbólicos si se quiere en los momentos donde interviene Chauk, un personaje que para la crítica deviene un homenaje a esas lenguas y culturas originarias discriminadas y casi en peligro de extinción. En mi opinión su inclusión en el metraje no es más que una figura que demuestra con hechos la autenticidad de su guion. Y aquí entran las manos de la dupla experimentada de Quemada Diez-Portela, porque supieron traducir desde un elemento en particular esa verdad a veces ignorada: no son sólo los latinos hispanohablantes los que emigran a los Estados Unidos. Esta construcción deja fuera a innumerables emigrantes de comunidades indígenas que llegaron sin conocer el idioma y sufren doblemente la discriminación y la explotación del capitalismo brutal y enajenante. A todo ello debe sumársele una dirección actoral precisa y bien dirigida, donde el equipo logra esa representación creíble y emotiva llena de momentos bellos y reflexivos. En este caso, sólo Karen Martínez, la actriz que representaba a Sara, era la única de los protagonistas que tenía experiencia previa en el medio. III Ella lo dijo bien claro: “o con los dos, o con ninguno”. Y ahí comenzaron por segunda vez su historia. Pero con ello también las adversidades, el amor floreciente, los celos, las pérdidas y las rupturas de prejuicios para dar paso a una buena amistad. Así, a pesar de la tristeza, quedan los mejores momentos de la trama. Plasmando una sinceridad que pocas obras logran porque describen una realidad descarnada y cruel; y le otorgan voz a esos miles de muertos anónimos que por décadas ha cobrado la frontera. Porque día tras día hay muchos Juan, Sara y Chauk. Tal vez la mejor evidencia son esos textos plasmados por el dúo de Isabel Muñoz/ Oscar Martínez donde muchos de los protagonistas de sus fotografías y videos a bordo del tren de la muerte fueron mutilados, violados, robados y hasta sufrieron la trata de personas y la muerte. Las mujeres que planean embarcarse en este viaje comienzan a tomar la píldora anticonceptiva con meses de antelación: “saben que, seguramente, las van a violar en repetidas ocasiones”. “Todo el mundo sabe lo que pasa pero nadie hace nada. Unos porque prefieren cerrar los ojos, otros porque están implicados. Y ahora estamos hablando de esta frontera, pero son todas iguales. Mi generación vio caer el muro de Berlín, pero desde entonces, no hemos hecho otra cosa que levantar más muros –dice– alguien tiene que hacer algo”. [2] Juan mira el cielo mientras nieva. Habían hablado de eso y parecería que fue hace mucho tiempo. Un momento sumamente hermoso y cuasi poético; pero una belleza repleta de insatisfacción. Para todo el que lo intentó y no pudo y para el que lo sigue intentando. Música de fondo…créditos finales. [1] También sería el co-guionista de la película Güeros (2014), otra de las sensaciones de los últimos años de la cinematografía mexica. [2] Tomado de una entrevista concedida por la artista al diario Clarin. Marzo del 2015. En: http://www.clarin.com/cultura/Isabel_Munoz-fotografias-inmigrantes-centroamericanos-frontera_sur-Mexico-La_Bestia_0_1315668921.html . Consultado el 13 de junio de 2016, 4:15pm.

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