{"resource":{"model_name":"event","name":"Galeria Evandro Carneiro apresenta Exposição Gianguido Bonfanti","created_at":"2024-09-06T15:53:42.000Z","image_resize":"/assets/thumbnail-c772f6f285f90de92698d3632bcb37afce23ccff92fcb9c613de92d67714054b.jpg","image_thumb":"/assets/thumbnail-c772f6f285f90de92698d3632bcb37afce23ccff92fcb9c613de92d67714054b.jpg","image_large":"/assets/thumbnail-c772f6f285f90de92698d3632bcb37afce23ccff92fcb9c613de92d67714054b.jpg","website_list":"\u003ca target=\"blank\" class=\"text-brake\" href=\"https://evandrocarneiroarte.com.br/\"\u003ehttps://evandrocarneiroarte.com.br/\u003c/a\u003e","location":"Río de Janeiro - Brasil","country":"Brasil","coords":[null,null],"address":" Rua Marquês de São Vicente, 124, Rio de Janeiro, Río de Janeiro, Brasil","event_kinds":[{"slug":"exposicion-individual","name":"Exposición Individual","id":3405,"taggings_count":2075}],"duration":"14 Sep, 2024 - 05 Oct, 2024","description":"\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eGaleria Evandro Carneiro apresenta Exposição Gianguido Bonfanti\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA Galeria Evandro Carneiro Arte tem o prazer de anunciar \u003cstrong\u003ea Exposição Gianguido Bonfanti, \u003c/strong\u003eque estará aberta ao público\u003cstrong\u003e de 14 de setembro a 05 de outubro de 2024\u003c/strong\u003e. A\u0026nbsp; mostra individual traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro com uma abordagem que opta pela leveza da arte sem drama.\u0026nbsp; Além das pinturas, a exposição conta também com esculturas, desenhos e um conjunto de cerâmicas-instalações. Algumas dessas cerâmicas serão apresentadas em um livro-objeto, que será lançado durante o período do evento. A edição especial e limitada foi idealizada por Alberto Saraiva e criada por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas expostas por Bonfanti no Parque Lage em 2023. \u003cstrong\u003eA curadoria da exposição é de Evandro Carneiro.\u0026nbsp;\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eSobre o artista:\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“As obras que transcendem o tempo, transcendem porque têm a ordem cósmica dentro delas. Nós somos estruturados pela ordem cósmica, tanto na matéria quanto no espírito, na energia. Quando há esse mergulho profundo, há um encontro com a origem e, então, se pinta determinado pela ordem cósmica. Ao mesmo tempo tingindo a obra com a singularidade do artista e com o momento histórico.\u0026nbsp; São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico, as leis do Universo. Eu acho que as grandes obras transcendem o momento histórico delas porque foram estruturadas pela lei universal. Então elas não têm tempo, são atemporais.” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eGianguido Bonfanti nasceu em São Paulo, no seio de uma família italiana, em 1948. Dois anos depois, seus pais voltam a residir no Rio de Janeiro, onde já haviam morado, desde que chegaram ao Brasil. Em 1962, ainda adolescente, o artista se torna aluno de Poty Lazzarotto, amigo de seu pai, e inicia o seu aprendizado artístico. Após cinco anos, já expunha na Galeria Santa Rosa, RJ, junto com outros jovens artistas. No ano seguinte entra para a Faculdade de Arquitetura da UFRJ.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm 1971 pede transferência do curso de arquitetura para a Faculdade de Arquitetura de Roma, mas chegando lá, passa a frequentar com entusiasmo a \u003cem\u003eAcademia dei Belle Arti\u003c/em\u003e, matriculando-se nos cursos de modelo vivo e gravura. Ainda nesta viagem à Itália, uma exposição de gravuras de Pablo Picasso o impacta irreversivelmente. Gianguido decide, então, viver da e para a arte.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm seu retorno ao Brasil (1973), expõe no Centro Cultural Lume, RJ, a sua primeira individual, com desenhos produzidos em Roma e se aprofunda no aprendizado da gravura, com Marília Rodrigues na EAB – Escolinha de Arte do Brasil. Em 1974 realiza a mostra \u003cem\u003eDesenhos de G. Bonfanti\u003c/em\u003e no Museu de Arte Contemporânea de Curitiba, PR, e conquista vários prêmios, dentre os quais, as primeiras colocações nos Salões de Arte Moderna do Rio de Janeiro e Paranaense, no Concurso Nacional de Artes Plásticas, todos na categoria desenho. Sua obra era, então, bastante inspirada pela estética medieval europeia, quase como num sopro de outras vidas, mas também continha vestígios de uma experiência passada há pouco tempo: o velejo. Figuras bestiais amarradas umas às outras e se controlando mutuamente, ora humanos e ora animais, convivem em cenas quase sempre fantásticas.\u0026nbsp; Nesses desenhos, as amarras são claramente os mecanismos da vela, memórias de quando Gianguido participava ativamente de regatas, em sua adolescência e tenra juventude, e vivia a vida no mar.\u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAinda durante a década de 1970, sob a influência do mestre Poty, trabalha ilustrando livros, jornais e revistas. Ao mesmo tempo, passa a integrar o seleto grupo de professores da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, dando aulas de gravura e fotogravura na gestão revolucionária de Rubens Gerchman. Era uma época de efervescência cultural e política, dentro e fora da EAV. E de muito trabalho para Bonfanti que, além de professor e artista, passou a realizar pesquisas ontológicas, por meio da fotografia, no Instituto de Doenças Tropicais da Av. Presidente Vargas, a partir do que compõe “gravuras que são reproduções fiéis dos slides que consegui com os médicos” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). No mesmo período analisa cadáveres da Escola de Medicina da URFJ, na Frei Caneca. Essas experiências significaram um olhar aprofundado às doenças do ser humano. Não de cada um daqueles sujeitos retratados, mas um estudo sobre a doença e a possibilidade da cura. Um tipo de catarse ao passar por anos sofridos. Esse viés realista e angustiante sobre a humanidade se perpetua em fases seguintes de sua obra, mas com linguagens totalmente diferentes.\u0026nbsp; \u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAo findar a década de 1970, Bonfanti já se tornara um exímio gravador e recebe prêmios de gravura em mostras e salões. Sua obra nesse período apresenta certa continuidade com a fase anterior. Desenhos e gravuras têm temáticas e cenas semelhantes. O fundo branco vai sendo mais utilizado e as figuras vão, aos poucos, se tornando menos desenhadas e mais expressivas, já prenunciando as fantasmagorias vindouras em suas telas e a opção pela pintura.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1980 iniciam um movimento de reviravolta na vida do artista: ele começa a pintar com pastel seco e tinta a óleo, passa a lecionar gravura também na PUC-Rio e ali conhece Marisa, sua esposa até hoje e mãe de suas filhas. Inspiração maior que o amor não há! Ao decidir-se pela pintura, buscou aprender com os restauradores, procurando referências no melhor do \u003cem\u003emétier\u003c/em\u003e: Edson Motta Filho e Marilka Mendes, a fim de conhecer tudo o que se podia sobre as tintas e os suportes. Afinal, como se nota na epígrafe escolhida para esse texto, a preocupação com a conservação de uma obra de arte se liga ao tempo da longa duração e da permanência histórica. Não que seja este o objetivo, mas há esta preocupação em preparar cuidadosamente a tela sobre a qual, depois de alguma espera, o artista irá derramar a sua energia, gerando um movimento cósmico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“O pintor tem por obrigação conhecer, profundamente, os materiais e seus comportamentos. Estabelecer um diálogo íntimo, mais que isso, um encontro com seus instrumentos de trabalho, num respeito referencial aos mesmos. É dessa cumplicidade que ele obterá os melhores resultados. Acredito num sacerdócio da pintura.” (Bonfanti in Coutinho, Wilson. Rio Artes no 23 - maio 1996, p. 11).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1990 são marcados pela pintura “vermelha”, como diz o próprio artista, em que sua obra é pura expressão e densidade. As tintas se revelam e se avolumam nas enormes telas magentas. Daí as associações feitas com a Escola Inglesa (Lucien Freud, Frank Auerbach e Francis Bacon) e, também, com o brasileiro Iberê Camargo. Bonfanti mesmo confessa que quando conheceu a obra de Auerbach, em Nova Iorque, 1996, ficou “chocado” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eFrederico Morais chamou atenção para o erotismo dessa fase (Morais, 1996 - Catálogo da Exposição do MAM-RJ). Sem dúvida há falos monstruosos e cenas com conotação sexual. Porém, toda a meditação ontológica se junta à matéria artística, ao gesto, à energia do artista. A sua pintura transcende ao desejo subjetivo. O carnal aí não é egóico, mas transcendental.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Mas a pintura vibrante de Bonfanti escapa tanto da hipervisibilidade do obsceno, quanto do vazio ou da inautenticidade do pornográfico. Em primeiro lugar, porque, o que vemos nesses quadros é o ato sexual levado ao clímax da religiosidade. Por um momento, revejo numas telas o esquema formal da Pietá de Villeneuve, pressinto noutras, o êxtase sexual igualando-se ao êxtase místico”. (Morais, 1996, p. 3).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA passagem dos anos 1990 para os 2000 vai do vermelho ao ocre e passa “do dois ao três” na dialética das personagens, mas também tendo em mente o que o artista diz na epígrafe deste texto: “São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico” (Bonfanti, 2024). Os temas não variam tanto: as cenas continuam a expressar o drama humano e se repetem muito, com gravidade e urgência, num jogo de latências e ardências em que os sujeitos se observam e tentam curar-se, repetidamente. É como se a sua pesquisa ontológica tivesse chegado ao clímax da reflexão acerca da experiência histórica e precisasse de uma pausa. Quase uma parada no tempo cronológico, um \u003cem\u003epáthos\u003c/em\u003e pela humanidade, na fundação de um tempo mítico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“No que se refere aos auto-retratos e às cenas com dois ou três personagens, a própria repetição os aprofunda, e os eleva ao nível do mito, isto é, ao nível em que não é possível deixar de acolhê-los como mitos. Tal repetição, com efeito, é uma atividade ritual, e o ritual, uma vez percebido como tal, pressupõe uma explicação mítica, que nos incomoda, quando não lhe atribuímos.” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAssim entendidas como míticas, as cenas densas e fantasmagóricas já não incomodam, mas transcendem. Talvez por isso, a década de 2020 seja caracterizada pela retirada da cena na pintura de Gianguido:\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Eu fiz um grande esforço no passar dos anos para abandonar as cenas, para me concentrar mais na pintura em si. Porque a cena é sempre uma leitura de uma situação humana, e eu estou tentando fugir da história, fugir da cena. É o que estou tentando com a minha pintura nos últimos anos. Me concentrar na pintura, para ela se apresentar em si.”\u0026nbsp; (Bonfanti, 2024, em conversa com a autora).\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA exposição da Galeria Evandro Carneiro traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro e decidido pela leveza da arte sem drama. Sua pintura se apresenta, suave, em contornos mais coloridos e formas cheias de energia. O branco no fundo retorna como em seus desenhos iniciais. Autorretratos ou não, os rostos e linhas são alegóricos. Atingem um tempo universal.\u0026nbsp; Há, ainda, na mostra, esculturas e desenhos. Um conjunto de cerâmicas-instalações compõem também a coleção ora apresentada e algumas delas são encaixadas no livro-objeto que é lançado na mesma ocasião do evento. Uma edição primorosa e limitada, idealizada por Alberto Saraiva e criado por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas da exposição do artista no Parque Lage, em 2023. A publicação e a mostra de Gianguido Bonfanti não podem ser perdidas. \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eLaura Olivieri Carneiro.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAgosto de 2024\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e","url":"/events/galeria-evandro-carneiro-apresenta-exposicao-gianguido-bonfanti"},"definitions":{"people":{"from":{"name":"Galeria Evandro Carneiro apresenta Exposição Gianguido Bonfanti","description":"\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eGaleria Evandro Carneiro apresenta Exposição Gianguido Bonfanti\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA Galeria Evandro Carneiro Arte tem o prazer de anunciar \u003cstrong\u003ea Exposição Gianguido Bonfanti, \u003c/strong\u003eque estará aberta ao público\u003cstrong\u003e de 14 de setembro a 05 de outubro de 2024\u003c/strong\u003e. A\u0026nbsp; mostra individual traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro com uma abordagem que opta pela leveza da arte sem drama.\u0026nbsp; Além das pinturas, a exposição conta também com esculturas, desenhos e um conjunto de cerâmicas-instalações. Algumas dessas cerâmicas serão apresentadas em um livro-objeto, que será lançado durante o período do evento. A edição especial e limitada foi idealizada por Alberto Saraiva e criada por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas expostas por Bonfanti no Parque Lage em 2023. \u003cstrong\u003eA curadoria da exposição é de Evandro Carneiro.\u0026nbsp;\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eSobre o artista:\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“As obras que transcendem o tempo, transcendem porque têm a ordem cósmica dentro delas. Nós somos estruturados pela ordem cósmica, tanto na matéria quanto no espírito, na energia. Quando há esse mergulho profundo, há um encontro com a origem e, então, se pinta determinado pela ordem cósmica. Ao mesmo tempo tingindo a obra com a singularidade do artista e com o momento histórico.\u0026nbsp; São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico, as leis do Universo. Eu acho que as grandes obras transcendem o momento histórico delas porque foram estruturadas pela lei universal. Então elas não têm tempo, são atemporais.” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eGianguido Bonfanti nasceu em São Paulo, no seio de uma família italiana, em 1948. Dois anos depois, seus pais voltam a residir no Rio de Janeiro, onde já haviam morado, desde que chegaram ao Brasil. Em 1962, ainda adolescente, o artista se torna aluno de Poty Lazzarotto, amigo de seu pai, e inicia o seu aprendizado artístico. Após cinco anos, já expunha na Galeria Santa Rosa, RJ, junto com outros jovens artistas. No ano seguinte entra para a Faculdade de Arquitetura da UFRJ.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm 1971 pede transferência do curso de arquitetura para a Faculdade de Arquitetura de Roma, mas chegando lá, passa a frequentar com entusiasmo a \u003cem\u003eAcademia dei Belle Arti\u003c/em\u003e, matriculando-se nos cursos de modelo vivo e gravura. Ainda nesta viagem à Itália, uma exposição de gravuras de Pablo Picasso o impacta irreversivelmente. Gianguido decide, então, viver da e para a arte.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm seu retorno ao Brasil (1973), expõe no Centro Cultural Lume, RJ, a sua primeira individual, com desenhos produzidos em Roma e se aprofunda no aprendizado da gravura, com Marília Rodrigues na EAB – Escolinha de Arte do Brasil. Em 1974 realiza a mostra \u003cem\u003eDesenhos de G. Bonfanti\u003c/em\u003e no Museu de Arte Contemporânea de Curitiba, PR, e conquista vários prêmios, dentre os quais, as primeiras colocações nos Salões de Arte Moderna do Rio de Janeiro e Paranaense, no Concurso Nacional de Artes Plásticas, todos na categoria desenho. Sua obra era, então, bastante inspirada pela estética medieval europeia, quase como num sopro de outras vidas, mas também continha vestígios de uma experiência passada há pouco tempo: o velejo. Figuras bestiais amarradas umas às outras e se controlando mutuamente, ora humanos e ora animais, convivem em cenas quase sempre fantásticas.\u0026nbsp; Nesses desenhos, as amarras são claramente os mecanismos da vela, memórias de quando Gianguido participava ativamente de regatas, em sua adolescência e tenra juventude, e vivia a vida no mar.\u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAinda durante a década de 1970, sob a influência do mestre Poty, trabalha ilustrando livros, jornais e revistas. Ao mesmo tempo, passa a integrar o seleto grupo de professores da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, dando aulas de gravura e fotogravura na gestão revolucionária de Rubens Gerchman. Era uma época de efervescência cultural e política, dentro e fora da EAV. E de muito trabalho para Bonfanti que, além de professor e artista, passou a realizar pesquisas ontológicas, por meio da fotografia, no Instituto de Doenças Tropicais da Av. Presidente Vargas, a partir do que compõe “gravuras que são reproduções fiéis dos slides que consegui com os médicos” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). No mesmo período analisa cadáveres da Escola de Medicina da URFJ, na Frei Caneca. Essas experiências significaram um olhar aprofundado às doenças do ser humano. Não de cada um daqueles sujeitos retratados, mas um estudo sobre a doença e a possibilidade da cura. Um tipo de catarse ao passar por anos sofridos. Esse viés realista e angustiante sobre a humanidade se perpetua em fases seguintes de sua obra, mas com linguagens totalmente diferentes.\u0026nbsp; \u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAo findar a década de 1970, Bonfanti já se tornara um exímio gravador e recebe prêmios de gravura em mostras e salões. Sua obra nesse período apresenta certa continuidade com a fase anterior. Desenhos e gravuras têm temáticas e cenas semelhantes. O fundo branco vai sendo mais utilizado e as figuras vão, aos poucos, se tornando menos desenhadas e mais expressivas, já prenunciando as fantasmagorias vindouras em suas telas e a opção pela pintura.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1980 iniciam um movimento de reviravolta na vida do artista: ele começa a pintar com pastel seco e tinta a óleo, passa a lecionar gravura também na PUC-Rio e ali conhece Marisa, sua esposa até hoje e mãe de suas filhas. Inspiração maior que o amor não há! Ao decidir-se pela pintura, buscou aprender com os restauradores, procurando referências no melhor do \u003cem\u003emétier\u003c/em\u003e: Edson Motta Filho e Marilka Mendes, a fim de conhecer tudo o que se podia sobre as tintas e os suportes. Afinal, como se nota na epígrafe escolhida para esse texto, a preocupação com a conservação de uma obra de arte se liga ao tempo da longa duração e da permanência histórica. Não que seja este o objetivo, mas há esta preocupação em preparar cuidadosamente a tela sobre a qual, depois de alguma espera, o artista irá derramar a sua energia, gerando um movimento cósmico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“O pintor tem por obrigação conhecer, profundamente, os materiais e seus comportamentos. Estabelecer um diálogo íntimo, mais que isso, um encontro com seus instrumentos de trabalho, num respeito referencial aos mesmos. É dessa cumplicidade que ele obterá os melhores resultados. Acredito num sacerdócio da pintura.” (Bonfanti in Coutinho, Wilson. Rio Artes no 23 - maio 1996, p. 11).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1990 são marcados pela pintura “vermelha”, como diz o próprio artista, em que sua obra é pura expressão e densidade. As tintas se revelam e se avolumam nas enormes telas magentas. Daí as associações feitas com a Escola Inglesa (Lucien Freud, Frank Auerbach e Francis Bacon) e, também, com o brasileiro Iberê Camargo. Bonfanti mesmo confessa que quando conheceu a obra de Auerbach, em Nova Iorque, 1996, ficou “chocado” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eFrederico Morais chamou atenção para o erotismo dessa fase (Morais, 1996 - Catálogo da Exposição do MAM-RJ). Sem dúvida há falos monstruosos e cenas com conotação sexual. Porém, toda a meditação ontológica se junta à matéria artística, ao gesto, à energia do artista. A sua pintura transcende ao desejo subjetivo. O carnal aí não é egóico, mas transcendental.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Mas a pintura vibrante de Bonfanti escapa tanto da hipervisibilidade do obsceno, quanto do vazio ou da inautenticidade do pornográfico. Em primeiro lugar, porque, o que vemos nesses quadros é o ato sexual levado ao clímax da religiosidade. Por um momento, revejo numas telas o esquema formal da Pietá de Villeneuve, pressinto noutras, o êxtase sexual igualando-se ao êxtase místico”. (Morais, 1996, p. 3).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA passagem dos anos 1990 para os 2000 vai do vermelho ao ocre e passa “do dois ao três” na dialética das personagens, mas também tendo em mente o que o artista diz na epígrafe deste texto: “São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico” (Bonfanti, 2024). Os temas não variam tanto: as cenas continuam a expressar o drama humano e se repetem muito, com gravidade e urgência, num jogo de latências e ardências em que os sujeitos se observam e tentam curar-se, repetidamente. É como se a sua pesquisa ontológica tivesse chegado ao clímax da reflexão acerca da experiência histórica e precisasse de uma pausa. 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Talvez por isso, a década de 2020 seja caracterizada pela retirada da cena na pintura de Gianguido:\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Eu fiz um grande esforço no passar dos anos para abandonar as cenas, para me concentrar mais na pintura em si. Porque a cena é sempre uma leitura de uma situação humana, e eu estou tentando fugir da história, fugir da cena. É o que estou tentando com a minha pintura nos últimos anos. Me concentrar na pintura, para ela se apresentar em si.”\u0026nbsp; (Bonfanti, 2024, em conversa com a autora).\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA exposição da Galeria Evandro Carneiro traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro e decidido pela leveza da arte sem drama. Sua pintura se apresenta, suave, em contornos mais coloridos e formas cheias de energia. O branco no fundo retorna como em seus desenhos iniciais. Autorretratos ou não, os rostos e linhas são alegóricos. Atingem um tempo universal.\u0026nbsp; Há, ainda, na mostra, esculturas e desenhos. Um conjunto de cerâmicas-instalações compõem também a coleção ora apresentada e algumas delas são encaixadas no livro-objeto que é lançado na mesma ocasião do evento. Uma edição primorosa e limitada, idealizada por Alberto Saraiva e criado por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas da exposição do artista no Parque Lage, em 2023. 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A\u0026nbsp; mostra individual traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro com uma abordagem que opta pela leveza da arte sem drama.\u0026nbsp; Além das pinturas, a exposição conta também com esculturas, desenhos e um conjunto de cerâmicas-instalações. Algumas dessas cerâmicas serão apresentadas em um livro-objeto, que será lançado durante o período do evento. A edição especial e limitada foi idealizada por Alberto Saraiva e criada por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas expostas por Bonfanti no Parque Lage em 2023. \u003cstrong\u003eA curadoria da exposição é de Evandro Carneiro.\u0026nbsp;\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eSobre o artista:\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“As obras que transcendem o tempo, transcendem porque têm a ordem cósmica dentro delas. Nós somos estruturados pela ordem cósmica, tanto na matéria quanto no espírito, na energia. Quando há esse mergulho profundo, há um encontro com a origem e, então, se pinta determinado pela ordem cósmica. Ao mesmo tempo tingindo a obra com a singularidade do artista e com o momento histórico.\u0026nbsp; São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico, as leis do Universo. Eu acho que as grandes obras transcendem o momento histórico delas porque foram estruturadas pela lei universal. Então elas não têm tempo, são atemporais.” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eGianguido Bonfanti nasceu em São Paulo, no seio de uma família italiana, em 1948. Dois anos depois, seus pais voltam a residir no Rio de Janeiro, onde já haviam morado, desde que chegaram ao Brasil. Em 1962, ainda adolescente, o artista se torna aluno de Poty Lazzarotto, amigo de seu pai, e inicia o seu aprendizado artístico. Após cinco anos, já expunha na Galeria Santa Rosa, RJ, junto com outros jovens artistas. No ano seguinte entra para a Faculdade de Arquitetura da UFRJ.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm 1971 pede transferência do curso de arquitetura para a Faculdade de Arquitetura de Roma, mas chegando lá, passa a frequentar com entusiasmo a \u003cem\u003eAcademia dei Belle Arti\u003c/em\u003e, matriculando-se nos cursos de modelo vivo e gravura. Ainda nesta viagem à Itália, uma exposição de gravuras de Pablo Picasso o impacta irreversivelmente. Gianguido decide, então, viver da e para a arte.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm seu retorno ao Brasil (1973), expõe no Centro Cultural Lume, RJ, a sua primeira individual, com desenhos produzidos em Roma e se aprofunda no aprendizado da gravura, com Marília Rodrigues na EAB – Escolinha de Arte do Brasil. Em 1974 realiza a mostra \u003cem\u003eDesenhos de G. Bonfanti\u003c/em\u003e no Museu de Arte Contemporânea de Curitiba, PR, e conquista vários prêmios, dentre os quais, as primeiras colocações nos Salões de Arte Moderna do Rio de Janeiro e Paranaense, no Concurso Nacional de Artes Plásticas, todos na categoria desenho. Sua obra era, então, bastante inspirada pela estética medieval europeia, quase como num sopro de outras vidas, mas também continha vestígios de uma experiência passada há pouco tempo: o velejo. Figuras bestiais amarradas umas às outras e se controlando mutuamente, ora humanos e ora animais, convivem em cenas quase sempre fantásticas.\u0026nbsp; Nesses desenhos, as amarras são claramente os mecanismos da vela, memórias de quando Gianguido participava ativamente de regatas, em sua adolescência e tenra juventude, e vivia a vida no mar.\u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAinda durante a década de 1970, sob a influência do mestre Poty, trabalha ilustrando livros, jornais e revistas. Ao mesmo tempo, passa a integrar o seleto grupo de professores da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, dando aulas de gravura e fotogravura na gestão revolucionária de Rubens Gerchman. Era uma época de efervescência cultural e política, dentro e fora da EAV. E de muito trabalho para Bonfanti que, além de professor e artista, passou a realizar pesquisas ontológicas, por meio da fotografia, no Instituto de Doenças Tropicais da Av. Presidente Vargas, a partir do que compõe “gravuras que são reproduções fiéis dos slides que consegui com os médicos” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). No mesmo período analisa cadáveres da Escola de Medicina da URFJ, na Frei Caneca. Essas experiências significaram um olhar aprofundado às doenças do ser humano. Não de cada um daqueles sujeitos retratados, mas um estudo sobre a doença e a possibilidade da cura. Um tipo de catarse ao passar por anos sofridos. Esse viés realista e angustiante sobre a humanidade se perpetua em fases seguintes de sua obra, mas com linguagens totalmente diferentes.\u0026nbsp; \u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAo findar a década de 1970, Bonfanti já se tornara um exímio gravador e recebe prêmios de gravura em mostras e salões. Sua obra nesse período apresenta certa continuidade com a fase anterior. Desenhos e gravuras têm temáticas e cenas semelhantes. O fundo branco vai sendo mais utilizado e as figuras vão, aos poucos, se tornando menos desenhadas e mais expressivas, já prenunciando as fantasmagorias vindouras em suas telas e a opção pela pintura.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1980 iniciam um movimento de reviravolta na vida do artista: ele começa a pintar com pastel seco e tinta a óleo, passa a lecionar gravura também na PUC-Rio e ali conhece Marisa, sua esposa até hoje e mãe de suas filhas. Inspiração maior que o amor não há! Ao decidir-se pela pintura, buscou aprender com os restauradores, procurando referências no melhor do \u003cem\u003emétier\u003c/em\u003e: Edson Motta Filho e Marilka Mendes, a fim de conhecer tudo o que se podia sobre as tintas e os suportes. Afinal, como se nota na epígrafe escolhida para esse texto, a preocupação com a conservação de uma obra de arte se liga ao tempo da longa duração e da permanência histórica. Não que seja este o objetivo, mas há esta preocupação em preparar cuidadosamente a tela sobre a qual, depois de alguma espera, o artista irá derramar a sua energia, gerando um movimento cósmico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“O pintor tem por obrigação conhecer, profundamente, os materiais e seus comportamentos. Estabelecer um diálogo íntimo, mais que isso, um encontro com seus instrumentos de trabalho, num respeito referencial aos mesmos. É dessa cumplicidade que ele obterá os melhores resultados. Acredito num sacerdócio da pintura.” (Bonfanti in Coutinho, Wilson. Rio Artes no 23 - maio 1996, p. 11).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1990 são marcados pela pintura “vermelha”, como diz o próprio artista, em que sua obra é pura expressão e densidade. As tintas se revelam e se avolumam nas enormes telas magentas. Daí as associações feitas com a Escola Inglesa (Lucien Freud, Frank Auerbach e Francis Bacon) e, também, com o brasileiro Iberê Camargo. Bonfanti mesmo confessa que quando conheceu a obra de Auerbach, em Nova Iorque, 1996, ficou “chocado” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eFrederico Morais chamou atenção para o erotismo dessa fase (Morais, 1996 - Catálogo da Exposição do MAM-RJ). Sem dúvida há falos monstruosos e cenas com conotação sexual. Porém, toda a meditação ontológica se junta à matéria artística, ao gesto, à energia do artista. A sua pintura transcende ao desejo subjetivo. O carnal aí não é egóico, mas transcendental.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Mas a pintura vibrante de Bonfanti escapa tanto da hipervisibilidade do obsceno, quanto do vazio ou da inautenticidade do pornográfico. Em primeiro lugar, porque, o que vemos nesses quadros é o ato sexual levado ao clímax da religiosidade. Por um momento, revejo numas telas o esquema formal da Pietá de Villeneuve, pressinto noutras, o êxtase sexual igualando-se ao êxtase místico”. (Morais, 1996, p. 3).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA passagem dos anos 1990 para os 2000 vai do vermelho ao ocre e passa “do dois ao três” na dialética das personagens, mas também tendo em mente o que o artista diz na epígrafe deste texto: “São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico” (Bonfanti, 2024). Os temas não variam tanto: as cenas continuam a expressar o drama humano e se repetem muito, com gravidade e urgência, num jogo de latências e ardências em que os sujeitos se observam e tentam curar-se, repetidamente. É como se a sua pesquisa ontológica tivesse chegado ao clímax da reflexão acerca da experiência histórica e precisasse de uma pausa. 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Atingem um tempo universal.\u0026nbsp; Há, ainda, na mostra, esculturas e desenhos. Um conjunto de cerâmicas-instalações compõem também a coleção ora apresentada e algumas delas são encaixadas no livro-objeto que é lançado na mesma ocasião do evento. Uma edição primorosa e limitada, idealizada por Alberto Saraiva e criado por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas da exposição do artista no Parque Lage, em 2023. 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Em 1962, ainda adolescente, o artista se torna aluno de Poty Lazzarotto, amigo de seu pai, e inicia o seu aprendizado artístico. Após cinco anos, já expunha na Galeria Santa Rosa, RJ, junto com outros jovens artistas. No ano seguinte entra para a Faculdade de Arquitetura da UFRJ.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm 1971 pede transferência do curso de arquitetura para a Faculdade de Arquitetura de Roma, mas chegando lá, passa a frequentar com entusiasmo a \u003cem\u003eAcademia dei Belle Arti\u003c/em\u003e, matriculando-se nos cursos de modelo vivo e gravura. Ainda nesta viagem à Itália, uma exposição de gravuras de Pablo Picasso o impacta irreversivelmente. Gianguido decide, então, viver da e para a arte.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm seu retorno ao Brasil (1973), expõe no Centro Cultural Lume, RJ, a sua primeira individual, com desenhos produzidos em Roma e se aprofunda no aprendizado da gravura, com Marília Rodrigues na EAB – Escolinha de Arte do Brasil. Em 1974 realiza a mostra \u003cem\u003eDesenhos de G. Bonfanti\u003c/em\u003e no Museu de Arte Contemporânea de Curitiba, PR, e conquista vários prêmios, dentre os quais, as primeiras colocações nos Salões de Arte Moderna do Rio de Janeiro e Paranaense, no Concurso Nacional de Artes Plásticas, todos na categoria desenho. Sua obra era, então, bastante inspirada pela estética medieval europeia, quase como num sopro de outras vidas, mas também continha vestígios de uma experiência passada há pouco tempo: o velejo. Figuras bestiais amarradas umas às outras e se controlando mutuamente, ora humanos e ora animais, convivem em cenas quase sempre fantásticas.\u0026nbsp; Nesses desenhos, as amarras são claramente os mecanismos da vela, memórias de quando Gianguido participava ativamente de regatas, em sua adolescência e tenra juventude, e vivia a vida no mar.\u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAinda durante a década de 1970, sob a influência do mestre Poty, trabalha ilustrando livros, jornais e revistas. Ao mesmo tempo, passa a integrar o seleto grupo de professores da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, dando aulas de gravura e fotogravura na gestão revolucionária de Rubens Gerchman. Era uma época de efervescência cultural e política, dentro e fora da EAV. E de muito trabalho para Bonfanti que, além de professor e artista, passou a realizar pesquisas ontológicas, por meio da fotografia, no Instituto de Doenças Tropicais da Av. Presidente Vargas, a partir do que compõe “gravuras que são reproduções fiéis dos slides que consegui com os médicos” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). No mesmo período analisa cadáveres da Escola de Medicina da URFJ, na Frei Caneca. Essas experiências significaram um olhar aprofundado às doenças do ser humano. Não de cada um daqueles sujeitos retratados, mas um estudo sobre a doença e a possibilidade da cura. Um tipo de catarse ao passar por anos sofridos. Esse viés realista e angustiante sobre a humanidade se perpetua em fases seguintes de sua obra, mas com linguagens totalmente diferentes.\u0026nbsp; \u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAo findar a década de 1970, Bonfanti já se tornara um exímio gravador e recebe prêmios de gravura em mostras e salões. Sua obra nesse período apresenta certa continuidade com a fase anterior. Desenhos e gravuras têm temáticas e cenas semelhantes. O fundo branco vai sendo mais utilizado e as figuras vão, aos poucos, se tornando menos desenhadas e mais expressivas, já prenunciando as fantasmagorias vindouras em suas telas e a opção pela pintura.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1980 iniciam um movimento de reviravolta na vida do artista: ele começa a pintar com pastel seco e tinta a óleo, passa a lecionar gravura também na PUC-Rio e ali conhece Marisa, sua esposa até hoje e mãe de suas filhas. Inspiração maior que o amor não há! Ao decidir-se pela pintura, buscou aprender com os restauradores, procurando referências no melhor do \u003cem\u003emétier\u003c/em\u003e: Edson Motta Filho e Marilka Mendes, a fim de conhecer tudo o que se podia sobre as tintas e os suportes. Afinal, como se nota na epígrafe escolhida para esse texto, a preocupação com a conservação de uma obra de arte se liga ao tempo da longa duração e da permanência histórica. Não que seja este o objetivo, mas há esta preocupação em preparar cuidadosamente a tela sobre a qual, depois de alguma espera, o artista irá derramar a sua energia, gerando um movimento cósmico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“O pintor tem por obrigação conhecer, profundamente, os materiais e seus comportamentos. Estabelecer um diálogo íntimo, mais que isso, um encontro com seus instrumentos de trabalho, num respeito referencial aos mesmos. É dessa cumplicidade que ele obterá os melhores resultados. Acredito num sacerdócio da pintura.” (Bonfanti in Coutinho, Wilson. Rio Artes no 23 - maio 1996, p. 11).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1990 são marcados pela pintura “vermelha”, como diz o próprio artista, em que sua obra é pura expressão e densidade. As tintas se revelam e se avolumam nas enormes telas magentas. Daí as associações feitas com a Escola Inglesa (Lucien Freud, Frank Auerbach e Francis Bacon) e, também, com o brasileiro Iberê Camargo. Bonfanti mesmo confessa que quando conheceu a obra de Auerbach, em Nova Iorque, 1996, ficou “chocado” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eFrederico Morais chamou atenção para o erotismo dessa fase (Morais, 1996 - Catálogo da Exposição do MAM-RJ). Sem dúvida há falos monstruosos e cenas com conotação sexual. Porém, toda a meditação ontológica se junta à matéria artística, ao gesto, à energia do artista. A sua pintura transcende ao desejo subjetivo. O carnal aí não é egóico, mas transcendental.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Mas a pintura vibrante de Bonfanti escapa tanto da hipervisibilidade do obsceno, quanto do vazio ou da inautenticidade do pornográfico. Em primeiro lugar, porque, o que vemos nesses quadros é o ato sexual levado ao clímax da religiosidade. Por um momento, revejo numas telas o esquema formal da Pietá de Villeneuve, pressinto noutras, o êxtase sexual igualando-se ao êxtase místico”. (Morais, 1996, p. 3).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA passagem dos anos 1990 para os 2000 vai do vermelho ao ocre e passa “do dois ao três” na dialética das personagens, mas também tendo em mente o que o artista diz na epígrafe deste texto: “São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico” (Bonfanti, 2024). Os temas não variam tanto: as cenas continuam a expressar o drama humano e se repetem muito, com gravidade e urgência, num jogo de latências e ardências em que os sujeitos se observam e tentam curar-se, repetidamente. É como se a sua pesquisa ontológica tivesse chegado ao clímax da reflexão acerca da experiência histórica e precisasse de uma pausa. Quase uma parada no tempo cronológico, um \u003cem\u003epáthos\u003c/em\u003e pela humanidade, na fundação de um tempo mítico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“No que se refere aos auto-retratos e às cenas com dois ou três personagens, a própria repetição os aprofunda, e os eleva ao nível do mito, isto é, ao nível em que não é possível deixar de acolhê-los como mitos. Tal repetição, com efeito, é uma atividade ritual, e o ritual, uma vez percebido como tal, pressupõe uma explicação mítica, que nos incomoda, quando não lhe atribuímos.” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAssim entendidas como míticas, as cenas densas e fantasmagóricas já não incomodam, mas transcendem. Talvez por isso, a década de 2020 seja caracterizada pela retirada da cena na pintura de Gianguido:\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Eu fiz um grande esforço no passar dos anos para abandonar as cenas, para me concentrar mais na pintura em si. Porque a cena é sempre uma leitura de uma situação humana, e eu estou tentando fugir da história, fugir da cena. É o que estou tentando com a minha pintura nos últimos anos. Me concentrar na pintura, para ela se apresentar em si.”\u0026nbsp; (Bonfanti, 2024, em conversa com a autora).\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA exposição da Galeria Evandro Carneiro traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro e decidido pela leveza da arte sem drama. Sua pintura se apresenta, suave, em contornos mais coloridos e formas cheias de energia. O branco no fundo retorna como em seus desenhos iniciais. Autorretratos ou não, os rostos e linhas são alegóricos. Atingem um tempo universal.\u0026nbsp; Há, ainda, na mostra, esculturas e desenhos. Um conjunto de cerâmicas-instalações compõem também a coleção ora apresentada e algumas delas são encaixadas no livro-objeto que é lançado na mesma ocasião do evento. Uma edição primorosa e limitada, idealizada por Alberto Saraiva e criado por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas da exposição do artista no Parque Lage, em 2023. A publicação e a mostra de Gianguido Bonfanti não podem ser perdidas. \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eLaura Olivieri Carneiro.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAgosto de 2024\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e","id":9388,"web_site":null,"start_date":null,"end_date":null,"country_id":6,"city_id":76,"province_id":246,"periodicity_id":3438,"estimated_audience":null,"created_at":"2024-09-06T15:53:42.000Z","updated_at":"2024-09-06T15:53:42.000Z","parent_id":null,"completed_rate":null,"deleted_at":null,"slug":"galeria-evandro-carneiro-apresenta-exposicao-gianguido-bonfanti","rank":null,"street":" Rua Marquês de São Vicente","street_number":"124","floor":"Salas 108 e 109","apartment":null,"start_date_relative":{"bits":1036590},"end_date_relative":{"bits":1036613},"latitude":null,"longitude":null,"editor_choice":null,"email_list":["contato@evandrocarneiroarte.com.br"],"website_list":["https://evandrocarneiroarte.com.br/"],"event_type_list":["Exposición Individual"]},"relation_type":"Institution","per":4},"publications":{"from":{"name":"Galeria Evandro Carneiro apresenta Exposição Gianguido Bonfanti","description":"\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eGaleria Evandro Carneiro apresenta Exposição Gianguido Bonfanti\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA Galeria Evandro Carneiro Arte tem o prazer de anunciar \u003cstrong\u003ea Exposição Gianguido Bonfanti, \u003c/strong\u003eque estará aberta ao público\u003cstrong\u003e de 14 de setembro a 05 de outubro de 2024\u003c/strong\u003e. A\u0026nbsp; mostra individual traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro com uma abordagem que opta pela leveza da arte sem drama.\u0026nbsp; Além das pinturas, a exposição conta também com esculturas, desenhos e um conjunto de cerâmicas-instalações. Algumas dessas cerâmicas serão apresentadas em um livro-objeto, que será lançado durante o período do evento. A edição especial e limitada foi idealizada por Alberto Saraiva e criada por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas expostas por Bonfanti no Parque Lage em 2023. \u003cstrong\u003eA curadoria da exposição é de Evandro Carneiro.\u0026nbsp;\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eSobre o artista:\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“As obras que transcendem o tempo, transcendem porque têm a ordem cósmica dentro delas. Nós somos estruturados pela ordem cósmica, tanto na matéria quanto no espírito, na energia. Quando há esse mergulho profundo, há um encontro com a origem e, então, se pinta determinado pela ordem cósmica. Ao mesmo tempo tingindo a obra com a singularidade do artista e com o momento histórico.\u0026nbsp; São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico, as leis do Universo. Eu acho que as grandes obras transcendem o momento histórico delas porque foram estruturadas pela lei universal. Então elas não têm tempo, são atemporais.” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eGianguido Bonfanti nasceu em São Paulo, no seio de uma família italiana, em 1948. Dois anos depois, seus pais voltam a residir no Rio de Janeiro, onde já haviam morado, desde que chegaram ao Brasil. Em 1962, ainda adolescente, o artista se torna aluno de Poty Lazzarotto, amigo de seu pai, e inicia o seu aprendizado artístico. Após cinco anos, já expunha na Galeria Santa Rosa, RJ, junto com outros jovens artistas. No ano seguinte entra para a Faculdade de Arquitetura da UFRJ.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm 1971 pede transferência do curso de arquitetura para a Faculdade de Arquitetura de Roma, mas chegando lá, passa a frequentar com entusiasmo a \u003cem\u003eAcademia dei Belle Arti\u003c/em\u003e, matriculando-se nos cursos de modelo vivo e gravura. Ainda nesta viagem à Itália, uma exposição de gravuras de Pablo Picasso o impacta irreversivelmente. Gianguido decide, então, viver da e para a arte.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm seu retorno ao Brasil (1973), expõe no Centro Cultural Lume, RJ, a sua primeira individual, com desenhos produzidos em Roma e se aprofunda no aprendizado da gravura, com Marília Rodrigues na EAB – Escolinha de Arte do Brasil. Em 1974 realiza a mostra \u003cem\u003eDesenhos de G. Bonfanti\u003c/em\u003e no Museu de Arte Contemporânea de Curitiba, PR, e conquista vários prêmios, dentre os quais, as primeiras colocações nos Salões de Arte Moderna do Rio de Janeiro e Paranaense, no Concurso Nacional de Artes Plásticas, todos na categoria desenho. Sua obra era, então, bastante inspirada pela estética medieval europeia, quase como num sopro de outras vidas, mas também continha vestígios de uma experiência passada há pouco tempo: o velejo. Figuras bestiais amarradas umas às outras e se controlando mutuamente, ora humanos e ora animais, convivem em cenas quase sempre fantásticas.\u0026nbsp; Nesses desenhos, as amarras são claramente os mecanismos da vela, memórias de quando Gianguido participava ativamente de regatas, em sua adolescência e tenra juventude, e vivia a vida no mar.\u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAinda durante a década de 1970, sob a influência do mestre Poty, trabalha ilustrando livros, jornais e revistas. Ao mesmo tempo, passa a integrar o seleto grupo de professores da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, dando aulas de gravura e fotogravura na gestão revolucionária de Rubens Gerchman. Era uma época de efervescência cultural e política, dentro e fora da EAV. E de muito trabalho para Bonfanti que, além de professor e artista, passou a realizar pesquisas ontológicas, por meio da fotografia, no Instituto de Doenças Tropicais da Av. Presidente Vargas, a partir do que compõe “gravuras que são reproduções fiéis dos slides que consegui com os médicos” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). No mesmo período analisa cadáveres da Escola de Medicina da URFJ, na Frei Caneca. Essas experiências significaram um olhar aprofundado às doenças do ser humano. Não de cada um daqueles sujeitos retratados, mas um estudo sobre a doença e a possibilidade da cura. Um tipo de catarse ao passar por anos sofridos. Esse viés realista e angustiante sobre a humanidade se perpetua em fases seguintes de sua obra, mas com linguagens totalmente diferentes.\u0026nbsp; \u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAo findar a década de 1970, Bonfanti já se tornara um exímio gravador e recebe prêmios de gravura em mostras e salões. Sua obra nesse período apresenta certa continuidade com a fase anterior. Desenhos e gravuras têm temáticas e cenas semelhantes. O fundo branco vai sendo mais utilizado e as figuras vão, aos poucos, se tornando menos desenhadas e mais expressivas, já prenunciando as fantasmagorias vindouras em suas telas e a opção pela pintura.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1980 iniciam um movimento de reviravolta na vida do artista: ele começa a pintar com pastel seco e tinta a óleo, passa a lecionar gravura também na PUC-Rio e ali conhece Marisa, sua esposa até hoje e mãe de suas filhas. Inspiração maior que o amor não há! Ao decidir-se pela pintura, buscou aprender com os restauradores, procurando referências no melhor do \u003cem\u003emétier\u003c/em\u003e: Edson Motta Filho e Marilka Mendes, a fim de conhecer tudo o que se podia sobre as tintas e os suportes. Afinal, como se nota na epígrafe escolhida para esse texto, a preocupação com a conservação de uma obra de arte se liga ao tempo da longa duração e da permanência histórica. Não que seja este o objetivo, mas há esta preocupação em preparar cuidadosamente a tela sobre a qual, depois de alguma espera, o artista irá derramar a sua energia, gerando um movimento cósmico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“O pintor tem por obrigação conhecer, profundamente, os materiais e seus comportamentos. Estabelecer um diálogo íntimo, mais que isso, um encontro com seus instrumentos de trabalho, num respeito referencial aos mesmos. É dessa cumplicidade que ele obterá os melhores resultados. Acredito num sacerdócio da pintura.” (Bonfanti in Coutinho, Wilson. Rio Artes no 23 - maio 1996, p. 11).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1990 são marcados pela pintura “vermelha”, como diz o próprio artista, em que sua obra é pura expressão e densidade. As tintas se revelam e se avolumam nas enormes telas magentas. Daí as associações feitas com a Escola Inglesa (Lucien Freud, Frank Auerbach e Francis Bacon) e, também, com o brasileiro Iberê Camargo. Bonfanti mesmo confessa que quando conheceu a obra de Auerbach, em Nova Iorque, 1996, ficou “chocado” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eFrederico Morais chamou atenção para o erotismo dessa fase (Morais, 1996 - Catálogo da Exposição do MAM-RJ). Sem dúvida há falos monstruosos e cenas com conotação sexual. Porém, toda a meditação ontológica se junta à matéria artística, ao gesto, à energia do artista. A sua pintura transcende ao desejo subjetivo. O carnal aí não é egóico, mas transcendental.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Mas a pintura vibrante de Bonfanti escapa tanto da hipervisibilidade do obsceno, quanto do vazio ou da inautenticidade do pornográfico. Em primeiro lugar, porque, o que vemos nesses quadros é o ato sexual levado ao clímax da religiosidade. Por um momento, revejo numas telas o esquema formal da Pietá de Villeneuve, pressinto noutras, o êxtase sexual igualando-se ao êxtase místico”. (Morais, 1996, p. 3).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA passagem dos anos 1990 para os 2000 vai do vermelho ao ocre e passa “do dois ao três” na dialética das personagens, mas também tendo em mente o que o artista diz na epígrafe deste texto: “São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico” (Bonfanti, 2024). Os temas não variam tanto: as cenas continuam a expressar o drama humano e se repetem muito, com gravidade e urgência, num jogo de latências e ardências em que os sujeitos se observam e tentam curar-se, repetidamente. É como se a sua pesquisa ontológica tivesse chegado ao clímax da reflexão acerca da experiência histórica e precisasse de uma pausa. 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Talvez por isso, a década de 2020 seja caracterizada pela retirada da cena na pintura de Gianguido:\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Eu fiz um grande esforço no passar dos anos para abandonar as cenas, para me concentrar mais na pintura em si. Porque a cena é sempre uma leitura de uma situação humana, e eu estou tentando fugir da história, fugir da cena. É o que estou tentando com a minha pintura nos últimos anos. Me concentrar na pintura, para ela se apresentar em si.”\u0026nbsp; (Bonfanti, 2024, em conversa com a autora).\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA exposição da Galeria Evandro Carneiro traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro e decidido pela leveza da arte sem drama. Sua pintura se apresenta, suave, em contornos mais coloridos e formas cheias de energia. O branco no fundo retorna como em seus desenhos iniciais. Autorretratos ou não, os rostos e linhas são alegóricos. Atingem um tempo universal.\u0026nbsp; Há, ainda, na mostra, esculturas e desenhos. Um conjunto de cerâmicas-instalações compõem também a coleção ora apresentada e algumas delas são encaixadas no livro-objeto que é lançado na mesma ocasião do evento. Uma edição primorosa e limitada, idealizada por Alberto Saraiva e criado por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas da exposição do artista no Parque Lage, em 2023. A publicação e a mostra de Gianguido Bonfanti não podem ser perdidas. \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eLaura Olivieri Carneiro.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAgosto de 2024\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e","id":9388,"web_site":null,"start_date":null,"end_date":null,"country_id":6,"city_id":76,"province_id":246,"periodicity_id":3438,"estimated_audience":null,"created_at":"2024-09-06T15:53:42.000Z","updated_at":"2024-09-06T15:53:42.000Z","parent_id":null,"completed_rate":null,"deleted_at":null,"slug":"galeria-evandro-carneiro-apresenta-exposicao-gianguido-bonfanti","rank":null,"street":" Rua Marquês de São Vicente","street_number":"124","floor":"Salas 108 e 109","apartment":null,"start_date_relative":{"bits":1036590},"end_date_relative":{"bits":1036613},"latitude":null,"longitude":null,"editor_choice":null,"email_list":["contato@evandrocarneiroarte.com.br"],"website_list":["https://evandrocarneiroarte.com.br/"],"event_type_list":["Exposición Individual"]},"relation_type":"Publication","per":4},"events":{"from":{"name":"Galeria Evandro Carneiro apresenta Exposição Gianguido Bonfanti","description":"\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eGaleria Evandro Carneiro apresenta Exposição Gianguido Bonfanti\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA Galeria Evandro Carneiro Arte tem o prazer de anunciar \u003cstrong\u003ea Exposição Gianguido Bonfanti, \u003c/strong\u003eque estará aberta ao público\u003cstrong\u003e de 14 de setembro a 05 de outubro de 2024\u003c/strong\u003e. A\u0026nbsp; mostra individual traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro com uma abordagem que opta pela leveza da arte sem drama.\u0026nbsp; Além das pinturas, a exposição conta também com esculturas, desenhos e um conjunto de cerâmicas-instalações. Algumas dessas cerâmicas serão apresentadas em um livro-objeto, que será lançado durante o período do evento. A edição especial e limitada foi idealizada por Alberto Saraiva e criada por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas expostas por Bonfanti no Parque Lage em 2023. \u003cstrong\u003eA curadoria da exposição é de Evandro Carneiro.\u0026nbsp;\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cstrong\u003eSobre o artista:\u003c/strong\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“As obras que transcendem o tempo, transcendem porque têm a ordem cósmica dentro delas. Nós somos estruturados pela ordem cósmica, tanto na matéria quanto no espírito, na energia. Quando há esse mergulho profundo, há um encontro com a origem e, então, se pinta determinado pela ordem cósmica. Ao mesmo tempo tingindo a obra com a singularidade do artista e com o momento histórico.\u0026nbsp; São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico, as leis do Universo. Eu acho que as grandes obras transcendem o momento histórico delas porque foram estruturadas pela lei universal. Então elas não têm tempo, são atemporais.” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eGianguido Bonfanti nasceu em São Paulo, no seio de uma família italiana, em 1948. Dois anos depois, seus pais voltam a residir no Rio de Janeiro, onde já haviam morado, desde que chegaram ao Brasil. Em 1962, ainda adolescente, o artista se torna aluno de Poty Lazzarotto, amigo de seu pai, e inicia o seu aprendizado artístico. Após cinco anos, já expunha na Galeria Santa Rosa, RJ, junto com outros jovens artistas. No ano seguinte entra para a Faculdade de Arquitetura da UFRJ.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm 1971 pede transferência do curso de arquitetura para a Faculdade de Arquitetura de Roma, mas chegando lá, passa a frequentar com entusiasmo a \u003cem\u003eAcademia dei Belle Arti\u003c/em\u003e, matriculando-se nos cursos de modelo vivo e gravura. Ainda nesta viagem à Itália, uma exposição de gravuras de Pablo Picasso o impacta irreversivelmente. Gianguido decide, então, viver da e para a arte.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eEm seu retorno ao Brasil (1973), expõe no Centro Cultural Lume, RJ, a sua primeira individual, com desenhos produzidos em Roma e se aprofunda no aprendizado da gravura, com Marília Rodrigues na EAB – Escolinha de Arte do Brasil. Em 1974 realiza a mostra \u003cem\u003eDesenhos de G. Bonfanti\u003c/em\u003e no Museu de Arte Contemporânea de Curitiba, PR, e conquista vários prêmios, dentre os quais, as primeiras colocações nos Salões de Arte Moderna do Rio de Janeiro e Paranaense, no Concurso Nacional de Artes Plásticas, todos na categoria desenho. Sua obra era, então, bastante inspirada pela estética medieval europeia, quase como num sopro de outras vidas, mas também continha vestígios de uma experiência passada há pouco tempo: o velejo. Figuras bestiais amarradas umas às outras e se controlando mutuamente, ora humanos e ora animais, convivem em cenas quase sempre fantásticas.\u0026nbsp; Nesses desenhos, as amarras são claramente os mecanismos da vela, memórias de quando Gianguido participava ativamente de regatas, em sua adolescência e tenra juventude, e vivia a vida no mar.\u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAinda durante a década de 1970, sob a influência do mestre Poty, trabalha ilustrando livros, jornais e revistas. Ao mesmo tempo, passa a integrar o seleto grupo de professores da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, dando aulas de gravura e fotogravura na gestão revolucionária de Rubens Gerchman. Era uma época de efervescência cultural e política, dentro e fora da EAV. E de muito trabalho para Bonfanti que, além de professor e artista, passou a realizar pesquisas ontológicas, por meio da fotografia, no Instituto de Doenças Tropicais da Av. Presidente Vargas, a partir do que compõe “gravuras que são reproduções fiéis dos slides que consegui com os médicos” (Bonfanti, 2024, em conversa oral com a autora). No mesmo período analisa cadáveres da Escola de Medicina da URFJ, na Frei Caneca. Essas experiências significaram um olhar aprofundado às doenças do ser humano. Não de cada um daqueles sujeitos retratados, mas um estudo sobre a doença e a possibilidade da cura. Um tipo de catarse ao passar por anos sofridos. Esse viés realista e angustiante sobre a humanidade se perpetua em fases seguintes de sua obra, mas com linguagens totalmente diferentes.\u0026nbsp; \u0026nbsp; \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAo findar a década de 1970, Bonfanti já se tornara um exímio gravador e recebe prêmios de gravura em mostras e salões. Sua obra nesse período apresenta certa continuidade com a fase anterior. Desenhos e gravuras têm temáticas e cenas semelhantes. O fundo branco vai sendo mais utilizado e as figuras vão, aos poucos, se tornando menos desenhadas e mais expressivas, já prenunciando as fantasmagorias vindouras em suas telas e a opção pela pintura.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1980 iniciam um movimento de reviravolta na vida do artista: ele começa a pintar com pastel seco e tinta a óleo, passa a lecionar gravura também na PUC-Rio e ali conhece Marisa, sua esposa até hoje e mãe de suas filhas. Inspiração maior que o amor não há! Ao decidir-se pela pintura, buscou aprender com os restauradores, procurando referências no melhor do \u003cem\u003emétier\u003c/em\u003e: Edson Motta Filho e Marilka Mendes, a fim de conhecer tudo o que se podia sobre as tintas e os suportes. Afinal, como se nota na epígrafe escolhida para esse texto, a preocupação com a conservação de uma obra de arte se liga ao tempo da longa duração e da permanência histórica. Não que seja este o objetivo, mas há esta preocupação em preparar cuidadosamente a tela sobre a qual, depois de alguma espera, o artista irá derramar a sua energia, gerando um movimento cósmico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“O pintor tem por obrigação conhecer, profundamente, os materiais e seus comportamentos. Estabelecer um diálogo íntimo, mais que isso, um encontro com seus instrumentos de trabalho, num respeito referencial aos mesmos. É dessa cumplicidade que ele obterá os melhores resultados. Acredito num sacerdócio da pintura.” (Bonfanti in Coutinho, Wilson. Rio Artes no 23 - maio 1996, p. 11).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eOs anos 1990 são marcados pela pintura “vermelha”, como diz o próprio artista, em que sua obra é pura expressão e densidade. As tintas se revelam e se avolumam nas enormes telas magentas. Daí as associações feitas com a Escola Inglesa (Lucien Freud, Frank Auerbach e Francis Bacon) e, também, com o brasileiro Iberê Camargo. Bonfanti mesmo confessa que quando conheceu a obra de Auerbach, em Nova Iorque, 1996, ficou “chocado” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99). \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eFrederico Morais chamou atenção para o erotismo dessa fase (Morais, 1996 - Catálogo da Exposição do MAM-RJ). Sem dúvida há falos monstruosos e cenas com conotação sexual. Porém, toda a meditação ontológica se junta à matéria artística, ao gesto, à energia do artista. A sua pintura transcende ao desejo subjetivo. O carnal aí não é egóico, mas transcendental.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Mas a pintura vibrante de Bonfanti escapa tanto da hipervisibilidade do obsceno, quanto do vazio ou da inautenticidade do pornográfico. Em primeiro lugar, porque, o que vemos nesses quadros é o ato sexual levado ao clímax da religiosidade. Por um momento, revejo numas telas o esquema formal da Pietá de Villeneuve, pressinto noutras, o êxtase sexual igualando-se ao êxtase místico”. (Morais, 1996, p. 3).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA passagem dos anos 1990 para os 2000 vai do vermelho ao ocre e passa “do dois ao três” na dialética das personagens, mas também tendo em mente o que o artista diz na epígrafe deste texto: “São três elementos que entram aí: o singular, o histórico e o eterno, o cósmico” (Bonfanti, 2024). Os temas não variam tanto: as cenas continuam a expressar o drama humano e se repetem muito, com gravidade e urgência, num jogo de latências e ardências em que os sujeitos se observam e tentam curar-se, repetidamente. É como se a sua pesquisa ontológica tivesse chegado ao clímax da reflexão acerca da experiência histórica e precisasse de uma pausa. Quase uma parada no tempo cronológico, um \u003cem\u003epáthos\u003c/em\u003e pela humanidade, na fundação de um tempo mítico.\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“No que se refere aos auto-retratos e às cenas com dois ou três personagens, a própria repetição os aprofunda, e os eleva ao nível do mito, isto é, ao nível em que não é possível deixar de acolhê-los como mitos. Tal repetição, com efeito, é uma atividade ritual, e o ritual, uma vez percebido como tal, pressupõe uma explicação mítica, que nos incomoda, quando não lhe atribuímos.” (Francis Gibson, M. in Bonfanti, 2005, p. 99).\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAssim entendidas como míticas, as cenas densas e fantasmagóricas já não incomodam, mas transcendem. Talvez por isso, a década de 2020 seja caracterizada pela retirada da cena na pintura de Gianguido:\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e“Eu fiz um grande esforço no passar dos anos para abandonar as cenas, para me concentrar mais na pintura em si. Porque a cena é sempre uma leitura de uma situação humana, e eu estou tentando fugir da história, fugir da cena. É o que estou tentando com a minha pintura nos últimos anos. Me concentrar na pintura, para ela se apresentar em si.”\u0026nbsp; (Bonfanti, 2024, em conversa com a autora).\u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eA exposição da Galeria Evandro Carneiro traz 30 obras de um Gianguido Bonfanti maduro e decidido pela leveza da arte sem drama. Sua pintura se apresenta, suave, em contornos mais coloridos e formas cheias de energia. O branco no fundo retorna como em seus desenhos iniciais. Autorretratos ou não, os rostos e linhas são alegóricos. Atingem um tempo universal.\u0026nbsp; Há, ainda, na mostra, esculturas e desenhos. Um conjunto de cerâmicas-instalações compõem também a coleção ora apresentada e algumas delas são encaixadas no livro-objeto que é lançado na mesma ocasião do evento. Uma edição primorosa e limitada, idealizada por Alberto Saraiva e criado por Claudia Gamboa e Ney Valle (Dupla Design), a partir das cerâmicas da exposição do artista no Parque Lage, em 2023. A publicação e a mostra de Gianguido Bonfanti não podem ser perdidas. \u0026nbsp;\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eLaura Olivieri Carneiro.\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003eAgosto de 2024\u003c/div\u003e\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c/div\u003e","id":9388,"web_site":null,"start_date":null,"end_date":null,"country_id":6,"city_id":76,"province_id":246,"periodicity_id":3438,"estimated_audience":null,"created_at":"2024-09-06T15:53:42.000Z","updated_at":"2024-09-06T15:53:42.000Z","parent_id":null,"completed_rate":null,"deleted_at":null,"slug":"galeria-evandro-carneiro-apresenta-exposicao-gianguido-bonfanti","rank":null,"street":" Rua Marquês de São Vicente","street_number":"124","floor":"Salas 108 e 109","apartment":null,"start_date_relative":{"bits":1036590},"end_date_relative":{"bits":1036613},"latitude":null,"longitude":null,"editor_choice":null,"email_list":["contato@evandrocarneiroarte.com.br"],"website_list":["https://evandrocarneiroarte.com.br/"],"event_type_list":["Exposición Individual"]},"relation_type":"Event","per":4}}}